“Cada avance creativo debe ser la fuente de inspiración del siguiente”
Entrevistas / Camila Fuchs

“Cada avance creativo debe ser la fuente de inspiración del siguiente”

Raúl Julián — 24-01-2021
Fotógrafo — Archivo

El dúo formado por la mexicana Camila De Laborde y el alemán Daniel Hermann-Collini cambia Londres por Lisboa como centro de operaciones para entregar su tercer disco, Kids Talk Sun (Felte, 20). Una ambiciosa mezcla de estilos con base en la electrónica y producido por Sonic Boom, cuya gestación desgranamos junto a la vocalista Camila De Laborde a lo largo de una generosa entrevista.

Comencemos por el principio por favor ¿Cómo, cuándo y dónde conociste a Daniel Hermann-Collini y en qué momento decidisteis formar este proyecto conocido como Camila Fuchs?
Daniel y yo nos conocimos en Londres hace siete años. Ambos éramos recién llegados a una ciudad desconocida, estudiando en la misma universidad… Y resulta que encontramos el uno en el otro un intercambio interesante y mágico, así que empezamos a colaborar y a hacer música juntos. Al principio empezamos a crear música sin pensar en qué forma tendría, sin tener un nombre de ´banda’ per se. Eso no pasó hasta que mi hermana tuvo la iniciativa de organizar un concierto Dig It Yourself por primera vez, en donde ella se encargó de los visuales y nosotros tocamos. Fue entonces cuando nos dijo: “¡Ya! ¡Sois una banda y necesitáis un nombre para el evento!” Y ahí empezó todo… ¡Siete años después seguimos con Camila Fuchs!

Sin embargo habéis cambiado vuestro centro de operación de Londres a Lisboa ¿Por qué tomasteis esta decisión y como ha influido esa decisión en el sonido del nuevo disco? 
Daniel y yo desarrollamos una energía muy ambiciosa en Londres. Para ambos significaba una gran oportunidad el poder estar ahí y trabajamos duro hasta sentir que habíamos logrado algo personalmente significativo. Londres es increíble, pero es una ciudad exigente y empezaba a consumirnos de una forma negativa. El momento en el que firmamos con ATP Recordings / All Tomorrows Parties, y con una agencia para conciertos, nos fuimos. Necesitábamos encontrar un espacio más sano, viable y positivo dónde pudiésemos continuar con el proyecto. 
Cuatro años antes habíamos visitado Lisboa, y directamente nos enamoramos. Cuando pensamos a dónde ir después de Londres, Lisboa era la primera ciudad en la lista. Fue una de las decisiones más especiales que hemos tomado. Lisboa, y Portugal en general, es un lugar que te despierta, te mueve, te revuelve y te vuelve acomodar. Te sumerge en una corriente contemplativa y creativa. Acoge muy bien los cambios. Los alrededores, la naturaleza, la luz, el misterio, cada detalle se ha incrustado en el disco.

“Nos importa que cada momento y paso que demos sea honesto y algo que genuinamente nos llame la atención”.

Un poco en la misma línea ¿Qué dirías que hay de nuevo o de inédito en ‘Kids Talk Sun’ (20) con respecto a vuestros dos discos anteriores? ¿Cuáles son las principales diferencias entre este álbum y ‘Singing From Fixed Rung’ (16) y ‘Heart Pressed Between Stones’ (18)?
La energía de “Kids Talk Su”n es totalmente distinta a la de nuestros dos primeros discos, “Singing From Fixed Rung” y “Heart Pressed Between Stones”. De hecho, cada disco que hacemos es significativamente diferente uno del otro. “Kids Talk Sun” es mucho más alegre, juguetón, orgánico, psicodélico. “Singing From Fixed Rung” es, para mí, mucho más electrónico. Es una experimentación entre mezclar elementos 100% electrónicos con una voz clara y “desnuda”. Es como si Daniel y yo estuviéramos jugando con esos polos opuestos, con su posible cercanía y su provocativa distancia. “Heart Pressed Between Stones”, refleja un periodo duro. La época dónde nos habíamos acostumbrado a Londres y sumergido en territorios demasiado demandantes. Era un periodo donde trabajábamos aproximadamente diecinueve horas al día… Es un álbum sumamente transparente en cuanto a emociones, dolores, miedos. “Kids Talk Sun” abre puertas a emociones y energías opuestas. Para empezar, desde un lado literal, tiene más elementos orgánicos: voz y percusiones acústicas.  Pero aparte de eso, es el resultado de un proceso libre, gozoso, divertido. Fue la primera vez que trabajamos con una tercera persona, Pete Kember, a quien admiramos mucho y que rápidamente se convirtió en alguien extremadamente cercano a nosotros. Estábamos tan emocionados de trabajar con él que nuestro enfoque principal era disfrutar con cada momento del proceso. Nos dejamos llevar, nunca pensamos en el resultado final hasta que llegamos a él. La libertad del proceso se trasladó al resultado. Nos gusta creer que viaja y se incorpora en el que lo escucha cómo una sensación propia. Esa misma libertad fue lo que despertó la temática. Me llevó a sensaciones y recuerdos de pequeña, a sentir una estabilidad y tranquilidad en el presente que me permitió cerrar ciclos, sanar heridas, dejar cosas atrás, tener una apertura a cambios y al futuro en general. Un acercamiento más profundo hacia la naturaleza. Todo esto se entrelazó y se presenta en los sonidos y letras de Kids Talk Sun.

En ‘Kids Talk Sun’ (20) investigáis a conciencia y trabajáis con multitud de capas de sonidos y bases electrónicas ¿Dirías que sois casi obsesivos a la hora de trabajar y buscar ese último detalle sonoro o esa capa adicional con la que completar la canción?
Sí, y es algo muy natural e inevitable dentro de nuestro proceso creativo. Mucha de la música que escuchamos y nos gusta es reducida en elementos, pero por alguna razón lo que nosotros creamos siempre está lleno de capas de sonidos y detalles. Es como si hubiera tantas energías y movimientos instantáneos que queremos transmitir, que todo tiene que formar parte de las canciones. Para mí, un momento, una emoción, un recuerdo, siempre está conformado por una gama de colores. Las cosas no solo son de una forma u otra, no sólo son negativas o positivas. Lo doloroso es bello. Lo peligroso, llamativo. Lo alegre, misterioso. Una forma de transmitir eso es a través de la gama de sonidos que se suceden simultáneamente. También es una cuestión de movimiento. Cada sonido mueve una parte diferente del cuerpo, al menos para mí. Busco lo que es necesario. Pienso en qué sensaciones o movimientos hacen falta en mi cuerpo para transmitir lo que estoy intentado compartir. Y de ahí la búsqueda y decisión de elementos.

En el disco hay una fuerte presencia de shoegaze, ambient, industrial, dream-pop o psicodelia, en una secuencia que de este modo saltea estilos indistintamente ¿Dirías que la ausencia de prejuicios a la hora de mezclar géneros es una de las principales cualidades de Camila Fuchs? ¿Qué objetivo perseguís con vuestra música?
Rara vez tenemos géneros o referencias en mente, u objetivos específicos… Toda influencia sucede de una forma natural e inconsciente. Tal vez esa es la razón por la cual es difícil identificar un estilo o género específico. Hay diversos, pero en el momento nunca ponemos nuestra energía en recrear o realizar algo específico. Más bien nos importa que cada momento y paso que demos sea honesto y algo que genuinamente nos llame la atención. Es importante y nos sirve cómo guía, el hecho de que cada momento y avance creativo sea la fuente de inspiración del siguiente. Esa es una forma de saber que estás en el buen camino.

Quizás el elemento que homogeniza todo ese eclecticismo estilístico sea la producción de Peter Kember –aka Sonic Boom–, quien además ha ejecutado su trabajo de manera muy palpable ¿Cómo de determinante fue su implicación y su trabajo en el aspecto y sonido finales de  ‘Kids Talk Sun’ (20)?
La influencia de Pete fue más a través de su persona que de una forma totalmente práctica. Es difícil de explicar… En ningún momento impuso una dirección sonora, pero su presencia nos influenció en el mejor sentido de la palabra. Nos dio un motivo, energía y entusiasmo. Nos guio y enseñó a disfrutar del proceso, a confiar en él y dejarlo fluir de forma libre, dejando que las cosas tomaran su propio rumbo. No enseñó a ver las cosas de una forma distinta y a distinguir la importancia de las actividades a hacer fuera del estudio. Mucho de ese trabajo repercutió en el resultado del disco y sucedió fuera del estudio. Y esto fue gran parte del input de Pete. Fue una nueva forma de acercamiento a un proceso creativo. Charlas, caminatas en la naturaleza, momentos juntos y escuchar música. Detalles igual de importantes que el trabajo en sí. Después del proceso de creación, Pete mezcló el disco ¡Eso sí que definitivamente le dio el toque sonoro de Sonic Boom! ¡La pincelada mágica en un último paso! ¡Es un genio!

“La verdad es que nunca hemos tenido expectativas altas, y cuando las tuvimos terminaron por ser contraproducentes. Hemos aprendido de eso”…

Diría que la de Sonic Boom es, de hecho y más allá de su papel como productor, una de las influencias principales que se pueden localizar en ‘Kids Talk Sun’ (20)…
Definitivamente. Este disco es lo que es por haber conocido a Sonic Boom y haber tenido la oportunidad de trabajar y pasar tiempo con él, forjar una amistad y crear a su lado. Probablemente hubiéramos hecho algo completamente diferente bajo otras circunstancias. Pero es cómo es y esa es la naturalidad de los procesos creativos. Vienen influenciados por todos las circunstancias que tornan alrededor ese momento. Y Sonic Boom ha sido una parte importante en este periodo de creación de Camila Fuchs ¡Fue increíble!

Precisamente el último tema, “Pool Of Wax”, potencia con su final abrupto esa turbación e inquietud que está presente a lo largo de todo el disco ¿Por qué elegisteis este tema como cierre?
Elegimos “Pool Of Wax” como tema final porque sentimos que sugiere el comienzo de algo nuevo, deja una curiosidad abierta, la posibilidad de nuevas direcciones o la apertura a algo cíclico. Para mí, esa posibilidad de que el final deje con ganas de más tras la escucha o querer escuchar el disco de nuevo, es indicativo de un buen final. Me gusta pensar que “Pool Of Wax” provoca esa sensación.

En conjunto diría que ‘Kids Talk Sun’ (20) es una obra dotada de una densidad encantadora, que muestra las suficientes variaciones como para conseguir que el interés permanezca intacto durante toda la escucha ¿Qué aspecto buscabais que tuviera el disco? ¿Cuáles eran vuestras prioridades?
La diversidad entre canciones es algo característico de Camila Fuchs, que perdura en todos nuestros discos hasta ahora. Para nosotros la música electrónica abre puertas a mundos diversos y distintos entre sí y nos inclinamos a experimentar, descubrir y conocer estas posibilidades. Es como un cosmos, lleno de partículas diversas pero todas relacionadas entre sí. O cómo un videojuego, dónde entras y sales de diferentes escenarios pero todo forma parte de un único cuerpo. Nuestra prioridad es crear una historia. Una historia que proponga y regale diversidad. Que capture polos opuestos pero que, aun así, cuaje cómo un sólo cuerpo.

Hay dos cosas que me gustan especialmente de vuestro disco: una es que siempre puedes buscar detalles adicionales en cada nueva escucha y otra es que, de algún modo, puedes retorcerte junto a las propias creaciones y su complejidad intrínseca.
Creo que esa es una de las características positivas de la música densa o compleja en cuanto a cantidad de elementos. Todo tiene su parte positiva y negativa, pero una densidad bien equilibrada permite infinidad de percepciones y a la vez presenta una simbiosis entre sus elementos. Puedes escucharlo de manera diferente cada vez si te centras en sus diferentes elementos. O también puedes escuchar el conjunto y recibir un impacto y ese impacto cambiar de escucha en escucha. Todas estas capas de sonido en “Kids Talk Su”n también reflejan lo macro y micro de la naturaleza: la diversidad, las transformaciones, los detalles.

Además el disco mantiene nervio e intensidad a lo largo de sus nueve temas ¿Cuál es la fórmula para, en la actual sociedad, conseguir mantener la atención del oyente durante un disco entero?
Supongo que, para empezar, la fórmula sería que mantenga tu propia atención. Yo confío en que si captura mi propia atención de principio a fin, eventualmente suceda lo mismo con alguien más. No hay más fórmula que la de tu propia guía e intuición. El confiar en que lo que tú sientes, pueda ser un sentimiento compartido. El dar para ser recibido…. Cómo la letra de “Come About”, que menciona “dedicating everything do, to someone else. Everything you have, to someone else. Take it, please take it” 

Estáis teniendo bastante repercusión en los medios y críticas muy positivas, pero dado el actual entorno provocado por la pandemia ¿Cómo afrontáis el lanzamiento de este nuevo álbum? ¿Qué expectativas tenéis en el disco? 
La verdad es que nunca hemos tenido expectativas altas, y cuando las tuvimos terminaron por ser contraproducentes. Hemos aprendido de eso… No es nuestro objetivo, y además puede llegar a ser una forma de pensar que te ciegue con respecto a lo que de verdad es importante. Creamos y deseamos de todo corazón que esto que creamos tome su propio camino y este sea positivo. Un camino que le aporte a otros y que a nosotros nos permita continuar dando. 
Hay cosas que hemos trabajado y que hasta cinco años después no han recibido un feedback. Cuándo creas un disco, lo terminas y lo lanzas, el disco ya toma su propio camino. Tú y la música que creas, son un 50%. El otro 50% se compone de factores ajenos a ti y nunca se sabe… a veces lleva mucho tiempo. Es parte de su intriga y encanto. A mí me gusta sacar un disco y observar qué rumbo toma. Claro que hay mucho esfuerzo en promoción, videos, etc. Uno hace todo lo posible, pero aun así hay mucho que no está en tus manos. Uno se centra en poner todo su esfuerzo, dedicación y cariño, y partir de ahí la música ya toma su propio ritmo.

¿Cómo son los conciertos de Camila Fuchs? ¿Cómo conseguís llevar al directo todo eso que concretáis primero en un estudio? 
Hay tres elementos que forman el cuerpo principal de los conciertos de Camila Fuchs. Visuales, una consola con muchos canales, y voz. Con esos tres elementos, decorados con muchos otros elementos más pequeños cómo pedales, efectos, sintetizadores, etc., logramos recrear y alterar el disco. Es un equilibrio entre tener estabilidad y espacio para la improvisación. Las bases de las canciones es estable, pero nos gusta alterar e influenciar la energía dependiendo del espacio y el momento.

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