"Intento crear un espacio de música más relajado"
Entrevistas / Maref

"Intento crear un espacio de música más relajado"

Guille Aragón — 17-06-2024

El alter ego de la vallisoletana Raquel Martinfer da un gran paso al frente a través del ambicioso EP “Antes de Caer” (Auto, 24), con una producción resplandeciente que abraza la modernidad estética, pero con un espíritu reflexivo entre la vorágine que marcan las novedades discográficas. Desgranamos el proceso y el espíritu de este nuevo trabajo, con su propia visión.

Te presentas como MAREF en 2023, tras tu anterior etapa como Raquel Martinfer. Este nuevo comienzo, ¿lo planteaste como un cambio de sonido o estética, o tiene más que ver con un cambio a nivel personal? ¿Lo ves como una ruptura o una evolución?
MAREF llegó como una evolución natural de mi trabajo previo donde me centraba más en el aspecto de cantautor y los conciertos en directo. MAREF se convirtió en una oportunidad para redefinir y experimentar el sonido que quería que acompañase este nuevo proyecto. Necesitaba de alguna forma un alter ego, un renacer en una nueva piel para crear todo un nuevo universo sonoro y visual, con todo lo que aprendí en mis años como Raquel Martinfer.

Ahora lanzas “Antes de Caer”, un EP de 6 temas, tras el single “Petricor” del año pasado. ¿Qué supone este disco para ti? ¿Hay algún nexo común en estos temas para que hayas decidido juntarlos en este EP?
Este disco ha sido cumplir un sueño a todos los niveles y llevaba mucho tiempo queriendo ver esto hecho realidad. Es mi primer trabajo publicado tras una colaboración preciosa con Anibal y Dharta Beats en la canción ‘Petricor’ con la que empecé este nuevo proyecto. Cada canción de ‘Antes de caer’ refleja diferentes etapas de procesos vitales que he experimentado estos dos últimos años. Al final han sido una forma de terapia y aprendizaje para mí.

"MAREF era una oportunidad para redefinir y experimentar el sonido que quería que acompañase este nuevo proyecto"

Destacaría en este trabajo la producción, onírica, densa y en apariencia minimalista, pero que esconde muchas capas de arreglos dialogando entre sí ¿Cómo ha sido tu experiencia grabando estos temas? ¿Te gusta involucrarte y marcar el ritmo también en la mezcla y producción posterior? ¿Responde el resultado a la idea que tenías en la cabeza, o también te has dejado sorprender?
Siempre había tenido un poco de respeto a la producción, porque sentía que había mil caminos que se podían tomar y me costaba sentir que una canción estaba terminada. Empecé a experimentar con una pedalera loop y a generar capas de guitarras y coros creando atmósferas que me dieron muchas pistas de hacia dónde llevar estas canciones. Aprendí a ver lo bonito de esta libertad creativa y a permitirme explorar sin juzgarme. Producir estos temas con Guille Golden en ‘El Santuario’ ha sido una experiencia increíble. He podido participar en todas las etapas de la creación de estas canciones y juntos hemos encontrado un sonido con el que me sentía muy identificada. Mi forma de componer hace que sienta las canciones como una parte muy unida a mí y poder trabajar mano a mano con mi productor ha sido clave para sentirme cómoda y satisfecha en este sentido. Guille ha sabido captar muy bien todo lo que tenía en la cabeza y el camino que quería tomar para estas canciones y estamos muy felices con el resultado. Sara del Valle también parte de ‘El Santuario’ me ha acompañado como coach vocal y contar con Pedro Viñuela para masterizar este EP también ha sido increíble.

Háblanos de los textos. A primera vista pueden parecer autorreferenciales en su mayoría, con temáticas en torno a los procesos de sanación individual, o las relaciones personales. Pero en sucesivas escuchas, se aprecian matices que seguro que tú nos puedes contar mejor.
Suelo escribir de una manera bastante autorreferencial, y aunque mi música tiende a explorar emociones más tristes y reflexivas, son aspectos que luego no se reflejan tanto en mi personalidad. Es una forma de liberar sentimientos que de otra manera podrían quedarse dentro de mí. Para eso ha sido necesario transitar todas estas emociones de manera muy profunda, que es precisamente a lo que invito a quien escuche ‘Antes de caer’. Me gusta pensar que estas letras pueden servir de refugio para otras personas que estén pasando por procesos vitales similares.

El trabajo gráfico que acompaña a lo musical tiene un nivel muy alto, tanto en las fotos como en las portadas y vídeos de los singles del disco. Destacaría el videoclip de “Antes de Caer”, una especie de spin-off del single “Perdón”, en forma de bucle, muy potente conceptualmente a pesar de su sencillez ¿Cómo ha sido el trabajo para coordinar la creación de todo ese universo? ¿Crees en apostar por el material visual de calidad como forma de destacar o diferenciarse?
Encontrarme con Gio Bravar ha sido clave para toda la estética del proyecto. Las dos tenemos una sensibilidad parecida y ha sabido representar todo lo que significan estas canciones para mí a la perfección. Todas estas canciones son como un bucle que se repite, tanto en las letras como en lo musical, con todas las capas y los arreglos que las van componiendo y esto se plasma en los diferentes videoclips de alguna manera. En concreto el videoclip de “Antes de caer” intenta enfatizar ese sentimiento de estar encerrado en un bucle, y de sentir como te precipitas al vacío.
Vika Álvarez y Luis Brock me han acompañado en la parte gráfica de “Ruido” con un video-lyrics ilustrado para esta canción tan especial dentro del EP. Y para las últimas piezas que verán la luz a finales de mayo he contado con Luis Supertramp. Siempre he tenido mucho interés por las artes visuales y gráficas y poder fusionar lo musical con lo visual para enfatizar un concepto y una narrativa me parece muy potente. Ahora mismo vivimos muy saturados de información visual, creo que por ello es una parte fundamental en un proyecto. Es una de las primeras cosas que captamos, y es el material visual lo que nos invita a escuchar muchas veces.

"El material visual es, muchas veces, lo que nos invita a escuchar"

Precisamente, en el vídeo aparece el disco “Trouble Will Find Me” de The National ¿Son una referencia para ti?
The National ha sido un grupo que he escuchado muchísimo. La portada de ‘Trouble Will Find Me’ parece conceptualmente muy interesante, la interpreto como una especie de espejo emocional en el que mirarte y en el que abrazar tus contradicciones. Creo que representa muy bien lo que significa este EP para mí, y ha sido una inspiración.

¿Alguna otra banda o solista, desde lo más cercano en lo local, hasta el estrellato internacional, te ha marcado especialmente o ha dejado huella en este disco?
En cuanto a las influencias musicales no tengo ningún referente super claro, pero toda la música que he escuchado a lo largo de mi vida me ha servido para ir desarrollando un estilo propio. Desde voces profundas como la de Nina Simone, las atmósferas y producción onírica de AURORA o la producción en muchas capas de Tash Sultana, las letras de Vetusta Morla o ver a artistas locales como El Nido apostar por propuestas nuevas y diferentes. Creo que al final soy una suma de mu-chas influencias diferentes.

Para terminar, me gustaría que nos contaras cómo ves la evolución de la industria musical en lo que llevamos de siglo, y las perspectivas que ves para el futuro. Del formato físico al streaming, del estudio de grabación a la autoproducción casera, y la problemática de coexistencia entre el circuito de salas de conciertos, y los prevalentes festivales de hoy. Y, por último, dónde te ves tú en toda esa escena.
La industria musical ha cambiado muchísimo desde la llegada de las redes sociales. Hay tanto contenido que el consumo se vuelve más rápido y superficial y muchas veces los artistas se ven forzados a sobreexponerse personalmente para poder vender su música. La autoproducción ha democratizado mucho la música y cualquiera tiene la posibilidad de hacer música desde su casa y subirla a las plataformas. Esto hace que haya tanto contenido que es complicado estar al día y destacar sin ayuda. Porque tienes nuevas herramientas, pero los techos son igualmente difíciles de traspasar. Para un artista emergente es complicado acceder a los circuitos de los directos y supone un gasto que muchas veces cuesta asumir. En general, mucha gente está primando ver a sus artistas en festivales donde por un precio asequible pueden ver a muchos artistas y conocer otros nuevos. Por mi parte, siempre he disfrutado mucho los directos y los escenarios, es donde siento el canal de conexión más directo con la gente y me encantaría poder viajar muchísimo con mi música por salas, teatros y cualquier lugar donde alguien quiera escucharme. Por otro lado, creo que la industria musical en España está muy centralizada en Madrid y propuestas tan interesantes como hay en Castilla y León y en otros lugares encuentran muchas dificultades o límites para poder llegar a más gente. En todo este panorama intento crear un espacio de música más relajado, para escuchar sin prisas y dándole prioridad a la música y a la narrativa por encima de la exposición en redes sociales.

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