Redefinir el rock alternativo no es tarea fácil y más cuando otros primeros espadas del género se han encargado durante las últimas dos décadas de sellar a fuego los tropos del mismo. Sin embargo, bandas nacidas al candor de la excitante y presente escena new noise como Dead Poet Society son conscientes de que la única forma de crear algo genuino es eliminando las limitantes etiquetas de la hoja de ruta del artista y apostando por la emoción más cruda, sin renunciar a la distorsión y a la percusión galopante como elementos base. Los mismos que ahora, maridados con unas afiladísimas letras que hacen gala de su honestidad más literal, conforman las mieles de “FISSION”, el segundo trabajo del cuarteto norteamericano y la llave a embarcarse en la gira más extensa que jamás hayan realizado. Unas semanas previas a que ésta dé comienzo, charlamos con dos de sus miembros, Jack Underkofler (vocalista) y Jack Collins (guitarra).
Me consta que venís directamente de la presentación de las canciones de “FISSION” en un concierto exclusivo en Los Ángeles. ¿Qué tal ha ido todo?
(Jack Underkofler) Pues ha ido muy bien, la verdad. Gracias por preguntar. En este bolo solo hemos tocado una canción que el público no conocía, pero el hecho de comprobar cómo la gente reacciona ante las novedades es siempre una experiencia muy interesante. Todos están como muy atentos a lo que va a pasar, tratando de descubrir con intensidad el efecto que tendrá el tema en cuestión. Nosotros los primeros, que conste. Aunque por ahora es difícil juzgar con objetividad la recepción de todos los cortes nuevos, las impresiones generales son muy buenas. Éste no deja de ser el primer concierto que damos tras tres meses de parón, así que también ha supuesto una gran excusa para nosotros a la hora de desempolvar nuestros trucos y reactivarnos de cara a la gran gira que se nos viene encima en las próximas semanas.
"Hemos crecido tanto a nivel musical como a nivel personal y eso se palpa en nuestras canciones"
Una gira que, además, supondrá vuestro debut en nuestro país.
(Underkofler) Así es, será nuestra primera vez tocando en España. Estamos realmente contentos con eso y tenemos unas ganas tremendas de que llegue ya el momento de probarnos con el público de allí.
Volviendo al álbum, ¿recordáis en qué momento comenzasteis a tener claro que necesitabais publicar un segundo disco? Habiendo publicado vuestro debut hace tan poquito, quiero decir.
(Jack Collins) Fue bastante inmediato con respecto a la publicación del primer disco, a decir verdad. Ten en cuenta que, aunque éste se publicara en 2021, muchas de sus canciones estaban ya compuestas y grabadas desde hacía mucho, solo que con la pandemia y demás problemas el lanzamiento de “-!-“ se demoró en exceso. Cuando lo publicamos oficialmente ya teníamos en mente trabajar en un segundo álbum, especialmente tras la buena acogida del primero. Tras tener cinco o seis canciones elaboradas y terminadas nos convencimos del todo de que Dead Poet Society necesitaban tener un segundo álbum, aunque no fue hasta la composición de “81 Tonnes” y “Black And Gold” que sentimos que el disco estaba verdaderamente completo.
Y a pesar de la proximidad en el tiempo entre ambos discos, ¿notáis una evolución de uno a otro?
(Underkofler) Siempre debe notarse una evolución en aquello que haces, y si no logras que los demás se den cuenta de ello…, Amigo, entonces estás jodido [risas]. Definitivamente, somos personas distintas a las que éramos hace tres o cuatro años, cuando escribimos nuestro primer disco. Hemos crecido tanto a nivel musical como a nivel personal y eso se palpa en nuestras canciones. Somos más certeros con aquello que queremos expresar y la calidad de nuestros temas ha crecido mucho. No tengo dudas de que hay una progresión desde nuestro primer disco a éste y que la gente lo va a apreciar.
¿Han tenido algo que ver la mano de Benjamin Rice y Anton DeLost en todo esto?
(Underkofler) Sin duda, ambos nos han permitido llevar el sonido de Dead Poet Society al lugar donde siempre quisimos que éste estuviera. Durante años, Jack y yo éramos los encargados de producir las voces en nuestras canciones, y es evidente que hay un salto cualitativo notable en el momento en el que dejamos entrar a un tercero en esa ecuación. Y en este caso, no a uno cualquiera, sino a Benjamin Rice, que es algo así como uno de los mejores productores vocales del gremio. Trabajar con él en el estudio fue asombroso. Era capaz de leer mi mente y captar mis ideas incluso antes de verbalizarlas, invitándome a seguir intentándolo desde una perspectiva muy motivadora y asertiva y guiándome para darle al disco el tono que buscaba. Y con Anton igual, nos valimos de ese gran bagaje que posee luego de haber trabajado con bandas de rock grandiosas para sacar lo mejor de él. Era la primera vez que trabajaba con nosotros, así que supongo que le sorprendió un poco ver lo neuróticos que éramos con determinados detalles y arreglos. En ocasiones podemos llegar a ser un poco neuróticos y de vez en cuando se dan situaciones en el seno de la banda en las que todavía debemos de aprender a adaptarnos a las opiniones del otro, aunque Anton dejó que nos expresáramos libremente y encontráramos nuestro propio consenso. Eso, sumado a su habilidad para hacer que las cosas suenen increíbles y probar pequeñas ideas, es lo que realmente ha elevado el nivel de la producción.
"Creo que durante mucho tiempo los géneros, las categorías o la manera de etiquetar a las bandas han sido recursos que han gozado de mucho crédito por parte de medios y aficionados"
También es un disco muy directo en las letras, no sé si como consecuencia de sentiros ahora más cómodos y con más confianza en vosotros mismos.
(Collins) Sobre cómo haremos las cosas en el futuro no hay nada escrito, pero sí que es cierto que nuestro enfoque en las letras ha ido progresando a lo largo de cada trabajo, buscando ser cada vez más directos y más conversacionales en aquello que escribimos. De hecho, en este disco hemos dedicado muchísimo tiempo a la elaboración de las letras y muchas de ellas son muy agudas y dolorosas. Pero como ya te digo, tampoco estoy seguro de que vayamos a seguir este camino en adelante. Quizás nuestro siguiente disco se torne más metafórico y poético, o por el contrario nos ponemos aún más literales. Todo puede pasar, básicamente porque tampoco es que sintamos que las cosas deban de hacerse obligatoriamente de un modo u otro, sino que creemos que las canciones son hijas del momento en el que nos encontramos. Estas canciones tienen ahora este cariz tan íntimo porque es lo que nos ha pedido el cuerpo hacer y sentimos que son el resultado de lo que necesitábamos expresar en términos emocionales. No había otra opción posible para nosotros.
Sin embargo, también hay misterio. Supongo que no querréis contarnos por qué el disco empieza con una canción titulada “5:29:45”.
(Collins) Tú lo has dicho. En el disco también hay varias dosis de misterio, en tanto que se trata de un trabajo muy íntimo. Hemos dejado por ahí varios “easter eggs” para que el oyente se lo curre y trate de atar cabos. En cuanto a la canción que mencionas, preferimos que sea nuestro público quien trate de adivinar su significado.
También ha dado mucho de qué hablar que contarais con el viral This Robot Cannot Human para el videoclip de “How Could I Love You”.
(Underkofler) Fue divertidísimo trabajar con él. Recuerdo que le conocimos a través de Jack, que fue quien comenzó a hablarnos de él y quien lanzó la propuesta de incluirle en algún videoclip, aunque llegar a un acuerdo que agradara y convenciera a todas las partes nos costó un poco. Todos teníamos varias ideas sobre lo que queríamos hacer y representar para este videoclip, pero tras reunirnos con el director nos dimos cuenta de que solo queríamos centrarnos en una idea en concreto, que era él y su forma de bailar. Nos dijimos “al cuerno con el resto de ideas”. Quiero decir, mírale, es cautivador y su forma de bailar acapara toda la atención, centrémonos en él. Y eso hicimos, preparamos el set, le dejamos hacer su magia, y el resultado no podría haber sido mejor. Captura muy bien la esencia de la canción.
Da la sensación de que con este disco, visto en perspectiva, os habéis abierto más que nunca a otros géneros, dejando claro que el rock más arquetípico no tiene ya mucho sentido.
(Underkofler) Creo que durante mucho tiempo los géneros, las categorías o la manera de etiquetar a las bandas han sido recursos que han gozado de mucho crédito por parte de medios y aficionados. El acto de compartimentar todo resulta casi como algo instintivo e inherente a nuestra naturaleza humana. Sin embargo, celebramos que el rock esté abriéndose a otras estructuras estilísticas y que actualmente se encuentre en un punto muy distinto al que estaba hace dos o tres décadas. El rock venía de ser un género históricamente muy obsesionado con la forma en la que las bandas debían de sonar, hasta el punto de que poco importaba de qué hablaras en tus canciones, siempre y cuando cumplieras con los requisitos que alguien decidía que eran necesarios para ser considerado rock. Pero la música evoluciona, en tanto que está creada por humanos y estos también cambian a lo largo de los tiempos. Va en nuestra biología sentirnos atraídos por nuevos ritmos y descubrir cosas nuevas, aunque la raíz permanezca ahí, de alguna manera, como guía o lienzo base sobre el que comenzar a elaborar algo nuevo. Es entonces cuando, dejándote llevar por aquello que sientes, logras crear algo que se pueda considerar nuevo o interesante. Pero no lo harás mientras estés limitándote a ti mismo y basándote en unos cánones estilísticos muy concretos. Además, esto de las etiquetas y los géneros es algo tan volátil… Quiero decir, ¿te has parado a pensar cómo se le llamará al rock y a la música alternativa dentro de 50 años? ¿Para qué constreñirnos en géneros, si es evidente que no son inmortales? Si quieres crear algo genuino, tienes que eliminar las etiquetas de tu cabeza.
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