Eres uno de los productores y músicos más prestigiosos en el rock y la música progresiva en este momento. Así que, cuéntame, ¿dónde comenzó tu trayectoria?
Bueno, mi trayectoria comenzó con la música que mis padres escuchaban. Tuve mucha suerte, porque mis padres tenían un gusto ecléctico, especialmente mi padre, que le gustaba la música de rock conceptual. Teníamos “Dark Side Of The Moon” y “Tubular Bells” en casa cuando yo tenía unos siete u ocho años. Esto fue antes de que fuese consciente de mi interés por la música. Básicamente, era lo que escuchaba y, por lo tanto, casi podría decir que estaba siendo influenciado por mis padres de alguna manera. Mi madre, por otro lado, amaba la música pop, especialmente la música disco de finales de los años setenta, “Saturday Night Fever”, Donna Summer y ese tipo de música, aunque también le gustaba Frank Sinatra. Así que crecí escuchando esta música sin necesariamente gustarme o no gustarme, simplemente era algo que absorbí siendo un crío. Entonces, sin darme cuenta, cuando me interesé en la música pop a los once o doce años, ya tenía esta música en mi ADN. Por un lado, estaba la aproximación más conceptual a la creación de álbumes y, por otro lado, el amor por el gran pop y la simplicidad de un gran ritmo. Estas dos cosas siempre estuvieron en la base de mi ADN musical desde el principio debido a eso. El interés en la aproximación más conceptual a la creación de discos, obviamente, proviene de que mi padre ponía los discos anteriormente mencionados de Pink Floyd o Mike Oldfield.
"Creo que es posiblemente el álbum más diverso que he hecho"
Entonces, hablemos del proceso de creación de un nuevo álbum o una nueva idea. ¿Sigues alguna pauta concreta o algo por el estilo? ¿Quizás algún factor clave para comenzar ese proceso de creación de nueva música?
Sí, definitivamente. Durante mucho tiempo, siempre he hecho algo muy parecido, que es no querer repetirme. Eso se convierte en una gran inspiración para cada nuevo proyecto: la idea de "¿Qué puedo hacer que no haya hecho antes? ¿Qué puedo hacer que siga siendo yo, pero que a su vez suene único en mi catálogo?". Creo que esto es interesante porque siempre me ha convertido en el tipo de músico, en el tipo de artista que, cada vez que hago un nuevo disco, prácticamente estoy empezando desde cero, tratando de convencer a mis seguidores. Ese enfrentamiento con las expectativas cada vez que comienzo con un nuevo trabajo es algo que realmente disfruto, aunque tenga sus desventajas. Por lo tanto, lo principal para mí es mantener la emoción, sentir siempre que cada proyecto es algo nuevo, algo diferente, un nuevo desafío, un nuevo enfoque musical. Así que, eso se convierte, en cierta forma, en la base de cada nuevo proyecto: no querer hacer lo mismo. Lo cual es una forma un poco negativa de comenzar algo nuevo en cierto modo, es decir, "¿Qué vamos a hacer en este disco? Bueno, mejor dicho, ¿qué es lo que NO vamos a hacer?". Y de cierta forma, ese enfoque negativo se convierte en la base. Luego se convierte en una búsqueda para encontrar algo nuevo, encontrar un nuevo vocabulario musical, un nuevo lenguaje con el que pueda hacer un nuevo disco, si eso tiene sentido.
Totalmente. Entonces, tal y como nos has contado, siempre te gusta experimentar con nuevos sonidos. Claramente, "The Future Bites", el álbum anterior, fue una de tus obras más experimentales, diría yo. Por lo tanto, cuéntame, ¿cuándo te diste cuenta de que era el momento de un cambio en tu sonido, comparándolo con discos anteriores que son más "rockeros"?
Bueno, dos cosas realmente. Creo que, en los últimos años, comenzando probablemente con el álbum anterior, "To The Bone" en 2017, empecé a sentir que no había nada más que pudiera hacer. Y esto es solo mi sensación personal, no había nada más que pudiera hacer con las guitarras y quería explorar un sonido más electrónico. Ese proceso comenzó en "To The Bone" y luego con "The Future Bites", quería hacer prácticamente un álbum electrónico con una sensibilidad más pop. Esa fue la base para ese álbum, y como mencioné antes, volviendo a mi respuesta anterior, ese sentimiento de querer desafiarme con cada nuevo disco. El desafío con "The Future Bites" fue el siguiente: intentamos hacer un disco que provenga del mundo de la música electrónica en lugar de la música basada en guitarras, y que también tenga una sensibilidad pop un poco más simplificada. Esas fueron realmente las dos principales razones. En primer lugar, sentí que no había nada más que pudiera hacer con la guitarra, que he de decir de todos modos, soy muy limitado como guitarrista, así que, nuevamente, esta es una perspectiva muy personal. No quedaba nada más que pudiera hacer con mi capacidad limitada cuando agarraba una guitarra. Mientras que al mismo tiempo, me emocionaba mucho con los sintetizadores que estaba comprando y pensaba: "Oh, whoah! Eso es emocionante y nuevo". Encontré que se abría todo un nuevo mundo para mí cuando tenía estos sintetizadores y no me aburría de la forma en que me aburría cuando cogía una guitarra. Y eso continuó de alguna manera en "The Harmony Codex", el nuevo, aunque hay algo más de guitarras en este disco.
Hablemos sobre "The Harmony Codex". Tiene muchas similitudes con "The Future Bites", pero personalmente creo que es un poco más oscuro, tal vez, más atmosférico e impredecible. Y como acabas de decir, tiene un poco más de elementos relacionados con la guitarra y, diría que sonidos más cinematográficos. Entonces, ¿cuál es la idea detrás de este nuevo álbum?
Principalmente, se basa en un relato breve que publiqué en mi libro el año pasado llamado "The Harmony Codex". Has mencionado la palabra cinematográfico, y creo que eso es clave para mí. La idea con este álbum era darle un alcance mucho más cinematográfico, no tener la misma sensibilidad pop. El álbum anterior fue mucho más épico. Es mucho más experimental. Es mucho más conceptual. Las piezas son más largas, se desarrollan de formas más impredecibles y en direcciones más impredecibles, aunque todavía hay una continuidad en el interés por el sonido electrónico que comenzó con "The Future Bites". Eso definitivamente continúa en este disco. Pero, creo que es posiblemente el álbum más diverso que he hecho en el sentido de que hay piezas instrumentales de diez minutos de duración que son como jazz espiritual cruzado con rock progresivo. Y luego hay una pieza ambiental de diez minutos en medio del disco también. Hay piezas más simplificadas, más electrónicas. Hay una pieza nostálgica de guitarra acústica. Hay muchos estilos diferentes abordados en este álbum. Y creo que, de alguna manera, podrías decir que se pueden escuchar todos los aspectos de todo lo que he hecho en los últimos seis discos representados de alguna manera en este nuevo álbum, pero todos ellos están unidos por este marco basado en lo que es esencialmente una película para los oídos. No es literalmente una película, pero se siente como si tuviera una analogía con sentarse y escuchar una película o ver una película, un viaje musical de sesenta y cinco minutos de duración, una historia musical. Y al final del álbum, sientes que realmente has estado en algún lugar bastante épico, diverso y ecléctico.
"El apogeo real del rock comenzó en los años cincuenta y terminó en algún momento después de Nirvana, a finales de los años noventa"
Las letras en tu música a menudo están relacionadas con temas sociales que ocurren en el contexto de cada álbum en ese momento. A veces hablan de la decadencia de la sociedad y el abuso y la dependencia de la tecnología o su mal uso. Hablemos de las letras en el nuevo álbum.
Lo interesante de este álbum es que se escribió, grabó y desarrolló principalmente durante el confinamiento. No voy a decir que es un álbum del confinamiento porque eso ya se ha convertido en un cliché, ¿verdad? Pero por necesidad, muchas de las canciones se desarrollaron durante el confinamiento. Así que hubo un sentido de aislamiento, obviamente, durante ese período, en ese contexto. Me encontré reflexionando sobre varios aspectos de mi vida. Me casé y ahora tengo dos hijastros, lo cual fue un gran cambio en mi vida que sucedió justo antes de que comenzara a trabajar en este álbum. Y, obviamente, sigo estando muy interesado en la forma en que Internet y la tecnología están cambiando la forma en que vivimos, la forma en que nos conectamos entre nosotros, la forma en que interactuamos con el mundo que nos rodea.
Así que todo eso todavía está presente, pero en su mayoría, muchas de las canciones se basan en los personajes ficticios y las situaciones ficticias en el relato breve "The Harmony Codex", que es una historia muy distópica. Tiene una calidad muy onírica. No estás seguro de si lo que estás leyendo realmente está sucediendo o si es un sueño. Así que creo que, nuevamente, el álbum refleja ese sentimiento. Tiene una calidad muy surrealista. Algunas de las letras también siguen ese patrón de que no estás seguro si están hablando del mundo real o si están hablando de un mundo ficticio. No estás seguro de si las canciones son autobiográficas o si son sobre personajes imaginarios proyectados a través de estos personajes imaginarios. Y, por supuesto, la realidad es que, lo que sea que escriba, ya sea autobiográfico o lo escriba en un libro, ya sea que escriba en un contexto ficticio o con un personaje ficticio, siempre reflejará mi perspectiva personal sobre el mundo. Esto se aplica a las personas que escriben novelas, que escriben poesía, que escriben programas de televisión, que escriben música, lo que sea que escriban, incluso cuando escriben en un contexto ficticio, por supuesto, están canalizando su propia perspectiva sobre el mundo a través de esos personajes ficticios.
Lo mismo ocurre en mi relato y mi álbum. Así que todavía hay muchas alusiones a la forma en que la tecnología afecta nuestra vida. Hay mucha nostalgia en el álbum, nostalgia por cómo solía ser, por cómo crecí. La canción "What Life Brings" es muy nostálgica, por ejemplo. Algunas letras tienen cualidades muy oníricas también, como ya he comentado antes. Pero más allá de eso, me siento un poco reacio a explicarlas demasiado, porque lo que me encanta de las letras es que las personas las interpreten a su manera. Y estoy muy intrigado de ver cómo la gente interpretará las letras en este nuevo álbum.
Hablemos un poco de Porcupine Tree, con un álbum de hace aproximadamente un año y medio, además de una gran gira, después de un largo período de inactividad. ¿Ha afectado de alguna manera esto al proceso creativo y al sonido en el nuevo álbum?
Bueno, posiblemente. Creo que hacer el álbum de Porcupine Tree, que en realidad habíamos estado haciendo durante mucho tiempo, puesto que comenzamos en 2011, me permitió reconectar quizás con algunos aspectos de mi enfoque del pasado. Con esto no quiero decir que el álbum sea nostálgico, sigo pensando que suena fresco y muy propio de su tiempo, pero me reconecté un poco con la idea de tocar riffs de metal y ser más guitarrista en este disco.
No sé si eso afectó la forma en que enfoqué "The Harmony Codex", pero ciertamente fue agradable reconectar con Porcupine Tree y ser un guitarrista nuevamente, ¡aunque solo fuera por un álbum y una gira! [risas irónicas]. Fue divertido. Aunque, ahora mismo, no me siento tan conectado con esa música como solía estarlo antes. Así que "The Harmony Codex" refleja mucho más lo que quiero hacer musicalmente en este momento que el álbum de Porcupine Tree. Pero reconozco que es parte de mi historia musical y estoy muy orgulloso. Fue muy divertido poner la guitarra de nuevo y ser un héroe de la guitarra en el escenario nuevamente [risas]. Eso fue divertido, sí.
Este nuevo sonido electrónico en tus proyectos seguramente también está generando cambios a nivel de producción, ¿verdad? La producción de estos dos o tres álbumes anteriores están llenos de sonidos electrónicos, ¿ha tenido un efecto en la producción?
Sí, mucho. Quiero decir, comencé a hacer discos a principios de los años noventa, así que me perdí la era analógica de la grabación en cinta. Realmente aprendí a hacer discos utilizando ordenadores y sonidos electrónicos. Siempre he hecho discos de esa manera. Incluso cuando mi música estaba más basada en guitarras, ya que estaba haciendo discos en el dominio electrónico en ese sentido. Creo que es justo decir, y creo que esto es indiscutible, que vivimos en un mundo electrónico. Vivimos en la era tecnológica. Vivimos en una época en la que la guitarra parece pertenecer a una era anterior. Todavía me encanta la guitarra, así que no estoy denigrando la guitarra en absoluto ni la música de guitarras ni la música rock, pero esa música es la música de la segunda mitad del siglo XX. Probablemente seguirá siendo así de la misma manera que la música jazz fue la música popular de la primera mitad del siglo XX. Siempre estará, de alguna manera, conectada con esa época. Creo que lo mismo es cierto para la música rock. La música rock, la música de guitarras, parece pertenecer en su mayoría a la segunda mitad del siglo XX. El apogeo real del rock comenzó en los años cincuenta y terminó en algún momento después de Nirvana, a finales de los años noventa. Hasta ahora el siglo XXI ha pertenecido a la música electrónica y el sonido electrónico. Y la razón de eso es la vida que vivimos ahora. Todo a nuestro alrededor, desde nuestros ordenadores portátiles hasta nuestros teléfonos, estamos constantemente rodeados de sonidos electrónicos, y ese es el mundo en el que la generación más joven nace y crece. Naturalmente, se sienten atraídos por ese tipo de sonidos. Yo mismo me encuentro más interesado en el sonido electrónico, como alguien que está vivo en el siglo XXI. Siempre he estado interesado en esto de todos modos, desde el principio. Si pienso en esos discos de los que hablamos al principio de nuestra conversación, si pienso en un disco como “Dark Side Of The Moon”, veo que tiene una pieza de música puramente electrónica en él. Una pieza de música llamada "On The Run". Estoy seguro de que estás familiarizado con el disco. Es un gran ejemplo de un álbum que ya de alguna manera estaba influyendo en mi enfoque de la música, que es: ¿por qué no mezclar todos estos estilos diferentes en un solo disco? ¿Por qué no hacer un disco que tenga pop, progresivo, jazz, electrónico, funk, disco, lo que sea... ambient, lo que sea que quieras? Puedes hacer un disco así. Y creo que "Dark Side Of The Moon", de alguna manera, es uno de los ejemplos originales de cómo hacerlo de manera cohesiva. Y creo que el equivalente moderno de este disco sería un disco que fuera mucho más consciente y reconociera que ahora vivimos en un mundo de música electrónica y sonido electrónico. Y vivimos en la era tecnológica. Así que "The Harmony Codex", salvando las distancias y con todos los respetos, es mi intento de hacer un disco equivalente. Incluso agacho la cabeza al compararlo con "Dark Side Of The Moon", pero creo que se entiende lo que quiero decir: tratar de tomar un enfoque similar para hacer un disco así, pero en 2023, reconociendo el hecho de que ahora vivimos en un mundo muy diferente, si eso tiene sentido.
Para finalizar la entrevista, solo quiero hablar sobre el futuro. Sé que es un poco temprano porque el álbum acaba de salir, pero ¿cuáles son tus próximos objetivos? incluso si están relacionados con "The Harmony Codex".
Una de las cosas que me emocionan mucho, es el hecho de que el álbum, para mí, es un gran ejemplo de lo que se puede hacer con el audio espacial. He dedicado mucho tiempo y esfuerzo a crear la mezcla Dolby Atmos de "The Harmony Codex", que estará disponible junto con la versión en estéreo del álbum. La música espacial es emocionante. La música espacial es una evolución lógica de la música electrónica porque, obviamente, la música electrónica se presta muy bien para este tipo de experiencias envolventes. Entonces, estoy emocionado por el hecho de que, de alguna manera, el álbum sea pionero en esto de alguna forma, y estoy emocionado por el hecho de que más y más gente está interesada en esto. Creo que es emocionante para un artista tener una forma completamente nueva de expresión, una forma completamente nueva de presentar su música a su audiencia, especialmente después de hacerlo durante tanto tiempo como yo lo he hecho. A raíz de esto, una de las cosas que estamos haciendo en el Reino Unido, y que pronto comenzaremos a hacer en Europa y América también, es organizar eventos en los que los fans y los medios de comunicación podrán venir y escuchar el disco en una increíble sala de audio espacial inmersiva. Por ejemplo, el evento que hicimos la semana pasada para los fans se realizó en una sala con alrededor de treinta altavoces. Escuchas el álbum desde arriba, desde al lado, desde detrás y desde adelante, y estás completamente inmerso en este mundo de audio espacial. Estoy muy emocionado por esto porque creo que, para mí, es una de las razones por las que la música puede volver a esta idea de ser muy cinematográfica, de ser algo que te rodea. Estás dentro de la música. Y por esa razón, uno de los principales enfoques de la promoción del álbum será organizar tantos de estos eventos como sea posible, y tal vez también haga algunos con instalaciones de luces y proyecciones, pero principalmente organizar tantos eventos como sea posible en los que las personas puedan venir y escuchar el álbum en sonido envolvente Dolby Atmos completo. He estado haciendo esto incluso fuera de mi propia música, ya sea mezclando discos para artistas clásicos o nuevos discos en este formato. Estoy muy emocionado por el potencial del audio espacial como el próximo paso en cuanto a conectar con la música. Ya hemos comenzado a hacer eventos en Londres. Tenemos dos eventos en Los Ángeles en un par de semanas. Estamos haciendo más eventos en Londres. Espero hacer algunos eventos en España justo alrededor de mediados de septiembre. Acabamos de empezar a trabajar y hablar de eso ahora. Es una experiencia única, y estoy muy orgulloso de haberlo hecho de este modo. Creo que la gente va a disfrutar mucho.
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