Xoel López presenta en este trabajo un discurso que trasciende la propia idea de colección de canciones. El universo que propone el artista es una experiencia completa, una de esas que obligan a detenerse y a mirar con cierta perspectiva. No es fácil sostener una propuesta de esta ambición ni mantener un pulso expresivo así después de una trayectoria tan prolongada, y sin embargo aquí todo parece fluir con una naturalidad que desarma.
"Oniria Popular" no es un trabajo que simplemente sugiera, sino que empuja a quien se adentra en él. Conduce al oyente hacia un viaje interior que, en su arranque —marcado por una cierta luminosidad musical y arreglos que invitan a la cercanía—, podría parecer otra cosa. Suena a pop y a folk, pero también a una honestidad desarmante. Suena a Xoel López, sí, pero desde una mirada más fresca, más abierta, como si esas sonoridades se hubieran liberado de cierta gravedad y encontraran aquí un nuevo aire. La apertura con "Campos de Castilla para siempre" puede dar la sensación de que el camino será más amable. Pero pronto se revela el verdadero fondo de la propuesta: la reflexión constante como eje. Porque el lugar al que nos dirige Xoel no es otro que ese espacio den el que uno se enfrenta a sí mismo, entendiendo que el camino, más que una huida, es una forma de encontrarse.
A partir de ahí, el disco se despliega como un tránsito emocional en el que las certezas empiezan a resquebrajarse. Entre ellas, la del amor, que aquí aparece despojado de cualquier idealización. Lejos de relatos prefabricados, se presenta desde una honestidad que abraza tanto lo luminoso como lo incómodo, también desde lo sonoro, donde conviven calidez y cierta tensión de fondo. Porque en ese despojarse de lo aprendido también reside parte del viaje: en aceptar la experiencia tal y como es, con todas sus grietas.
Pero la propuesta no se detiene ahí. Lo que emerge después es una suerte de intemperie emocional donde todo parece tambalearse. La pérdida de referentes —sean culturales, personales o simbólicos— abre un vacío que no se llena de inmediato. Y es precisamente en ese vacío donde el disco encuentra uno de sus gestos más valientes: el de habitarlo. Sin prisa, sin respuestas fáciles, asumiendo que, cuando todo cae, lo primero es aprender a escucharse. Lo que en un primer momento puede parecer un final, termina funcionando como un punto de inflexión.
Ese proceso, sin embargo, no es lineal. La inestabilidad se convierte en una constante, casi en una estructura. Todo avanza, sí, pero como en una carretera llena de curvas: hay momentos de claridad que pronto se ven cubiertos por nuevas sombras, también en los cambios de atmósfera que atraviesan el disco. La luz aparece, pero nunca se impone del todo. Y ahí reside una de las mayores virtudes del trabajo: en no caer en la tentación de resolver lo irresoluble, en no maquillar lo que sigue abierto.
Porque, en el fondo, el camino que plantea no busca cerrar heridas ni ofrecer consuelos fáciles. Tampoco se recrea en la oscuridad. Se mueve en ese punto intermedio donde las cosas son, simplemente, como son. Sin artificio. Sin finales en falso.
Y, aun así, en medio de esa incertidumbre, algo empieza a latir de nuevo. Una forma de fuerza que no irrumpe con estridencia, sino que se reconstruye desde dentro. Es en esa tensión donde el disco encuentra su núcleo: en la capacidad de atravesar la oscuridad sin negarla, pero también sin quedarse a vivir en ella.
El trayecto, lleno de altibajos, desemboca en el último tema “Campos de Castilla para siempre (omega)”, que lejos de ser un final como el título indica en realidad se siente como un regreso. Una vuelta al origen, pero desde otro lugar: más ligero, más consciente.
Ahí es donde el disco encuentra su sentido más profundo. No en lo que añade, sino en lo que quita. No en lo que explica, sino en lo que deja resonando. Porque al final, después de todo el ruido, lo único que permanece es esa voz interior que, por fin, suena clara. Los problemas no desaparecen, pero algo ha cambiado: ahora, al menos, se sabe cómo convivir con ellos.
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