Lo bueno, si breve, dos veces bueno. Bajo esta premisa, los canarios This Drama apuestan por los epés, un formato que reivindican en esta entrevista. Y es que prefieren ahorrarnos los temas de relleno e invertir todas sus energías (y presupuesto) en hacer el mejor disco posible. Su cantante, Asdrúbal Marichal, nos cuenta los detalles de la grabación de su última referencia, “Summer Failures” (Venn Records/Fair Warning, 17), con Scott Middleton, el guitarrista de Cancer Bats, a los controles.

This Drama girarán por España junto a los canadienses PUP en febrero: Barcelona (Rocksound, día 22), Madrid (Gruta 77, día 23) y Tenerife (Aguere Cultural, día 24).

¿Por qué otro EP? Empiezo a pensar que os mola dejarnos con ganas de más…
Siempre nos hemos considerado muy fans de los epés. Ayudan a sacar una instantánea fiable y sin relleno de la salud creativa de una banda, sobre todo en cuanto a la evolución de la misma. Los viejos estándares de la industria siguen ahí y parecen estigmatizar a los epés, sobre todo a nivel de prensa, que muchas veces parece seguir viendo con recelo este tipo de formatos. La realidad es que, para bien o para mal, la forma de escuchar música ha cambiado y los epés cada vez son más habituales y lógicos en este nuevo paradigma.

Supongo que también tiene algo que ver con el tiempo que habéis tenido para grabar con Scott Middleton.
Exacto. Esa es otra de las grandes razones por la que seguimos trabajando en este formato. Desde “Tarantula Mata” (KTC/Deep Elm, 10) que empezamos a viajar para poder trabajar con estudios y productores diferentes que aportaran nuevos enfoques al sonido y a las canciones, nuestra prioridad ha cambiado a nivel de estudio. Antes los presupuestos eran únicamente para pagar el estudio y poco más. Ahora todo es más complejo y con cada disco nos gusta cumplir metas específicas, como trabajar con algún productor o estudio en especial.

¿Qué supone esto último para vosotros como banda?
Esta forma de trabajar nos ha ayudado mucho a evolucionar y crecer, tanto fuera como dentro de la banda. Esto lógicamente acaba afectando a nivel de presupuesto a las horas de estudio y al número de canciones. Así que, por ahora, larga vida a los epés.

Primero Scott estuvo en las Islas Canarias, grabasteis con él en los míticos estudios Guamasa y la mezcla y mastering se hizo en Toronto.
Con Scott empezamos trabajando inicialmente con pre-producción en la isla, unos diez días en el local de ensayo desgranando las canciones, probando ideas, descartando cosas y añadiendo otras. Esto nos permitió alejarnos de ideas cerradas con las canciones y dando un margen menos controlado y más natural a la grabación, algo que buscaba Scott desde el principio. Después de esta fase, entramos en Estudios Guamasa para grabar toda la parte de instrumentación.

¿Qué tal fue trabajar con él?
Fue genial. Te elimina la tensión rápidamente porque prácticamente te obliga a olvidarte de que estás grabando. Scott se toma el estudio prácticamente como un concierto, en la misma sala mientras se graba, gritando y en movimiento en todo momento. La siguiente fase fue la grabación de las voces en Toronto que llevó una semana más, y que me permitió, sin las prisas habituales de un final de grabación, probar muchas más cosas en el estudio, salir de la zona de confort y arriesgar mucho más.

Por cierto, primero fue Joby Ford de The Bronx, luego Jay Jago de The Ghost Of A Thousand… Grabar con tus ídolos debe ser la leche, un chute extra de motivación, pero también tiene que imponer mucho, ¿no?
Siempre impone, y más en el estudio, donde mantener la calma a veces es tarea imposible. Quizás con Scott podemos decir que hay un extra de confianza y calma porque hace ya años que nos conoce de una forma más cercana, pero no deja de ser una situación ardua que te pone a prueba creativamente. Pero ese sigue siendo el reto: abrirte, exponerte y trabajar con personas por las que sentimos un profundo respeto por lo que han hecho con sus carreras, musicalmente hablando, evolucionar y compartir con ellos nuestra visión, aspiraciones y miedos creativos.

¿Os ha metido mucha caña Scott en algún tema en concreto?
Principalmente con la estructuración de las canciones para hacerlas menos complejas y más directas. Esa es la línea que ha marcado este disco prácticamente desde la pre-producción y creo que es una de las máximas de Scott como productor. Del resto, como era de esperar viniendo de un guitarrista, diría que el proceso de grabación de guitarras fue otra de las fases donde incidió insistentemente.

En febrero haréis tres fechas con PUP, una banda de Toronto. ¿Scott o Cancer Bats tienen algo que ver en esto?
Tenemos muchas ganas. Además, PUP se han convertido en una de nuestras bandas favoritas de los últimos años. La energía que desprenden y su mezcla de estilos sin alejarse del punk y sin perder frescura es increíble. Realmente creo que es una de esas bandas que no van a dejar de darnos sorpresas y grandísimas canciones en los próximos años. La gira, más que por Cancer Bats fue por su tour manager, que también trabaja con PUP y que me puso en contacto con Stefan hace ya tiempo. Entre intercambio de música y más música, empezó a salir la idea de hacer algún show juntos. Creo que hace un año que empezamos a hablarlo, así que la espera ha valido la pena.

Con “Vive Siempre” (Deep Elm, 15) siempre celebrasteis vuestro décimo aniversario como banda. ¿Era también un antes y un después?
Sin duda una década siempre es un punto de inflexión para pararte a pensar, para echar un vistazo atrás y darte cuenta del tiempo que llevas metido en algo que empezó casi sin darte cuenta y que a día de hoy, para bien o para mal, es una de las constantes en nuestra vida. “Vive Siempre” fue una celebración de cada uno de los momentos y metas que marcaron esos primeros diez años.

¿Y qué buenos propósitos os habéis marcado para los próximos diez?
Para los próximos años seguimos teniendo la misma filosofía, metas a corto plazo que marquen nuevos hitos en nuestras vidas y que sigan dando sentido a todo esto.

Siguiendo con la anterior pregunta, ese disco en directo cierra una etapa con Deep Elm Records, con los que habéis sacado prácticamente todos vuestros discos. ¿Qué balance hacéis de esta etapa?
Pues fue curiosamente después de ese disco cuando, desde la banda, nos planteamos cerrar la etapa Deep Elm. Tengo mucha confianza con John, el fundador del sello, y a día de hoy seguimos teniendo un contacto constante y muy buena relación. Le debemos mucho por metas que conseguimos en esos años y nos sigue apoyando en muchos aspectos. Creo que simplemente, ambos, vimos que todo lo que podía hacer Deep Elm por nosotros, ya estaba hecho.

Siempre me pareció curiosa esa relación, pues es un sello especializado históricamente en emo.
Es un sello que ha evolucionado y cambiado mucho en los últimos años ya no solo centrándose en licencias y sincronizaciones (como el noventa por ciento de los sellos americanos) sino que además a nivel de estilo se han enfocado en el crecimiento de las bandas indie instrumentales, así que tanto su público como su círculo de prensa y colaboradores también ha cambiado. Llevábamos tiempo siendo la única banda de punk en el sello y cada vez era más difícil encontrar nuestro hueco con ellos.

Vuestro nuevo disco es una co-edición española-británica… con Venn Records y Fair Warning. ¿Qué me podéis contar de Venn Records? Imagino que la banda Gold Key ha ayudado en algo, ¿no? Me consta que tenéis buen rollo con ellos desde que les organizaste un bolo en Tenerife…
Exacto. Venn Records es el sello fundado por Gallows hace ya años para poder tener más control sobre sus ediciones. Al margen de Gallows, empezaron a trabajar con bandas emergentes del Reino Unido, con las que han conseguido éxitos super interesantes como con Moose Blood, Marmozets, Muskets o Milk Teeth, que no han dejado de hacer crecer sus carreras. En nuestro caso, desde que compartimos escenario con Gallows siempre hemos tenido muy buena relación con Lags, ahora también en Gold Key, así que fue uno de los primeros en escuchar el EP y en hacernos una oferta.

¿La idea de fichar por Venn es asaltar de una vez por todas el Reino Unido? Total, lo de viajar y coger aviones para tocar ya lo tenéis en el ADN, desde que empezó la banda… estáis acostumbrados a pegaros muchos kilómetros para tocar en vuestro país.
Reino Unido siempre está en el punto de mira. Desde que empezamos fue una de las prioridades y supongo que, por esa insistencia, fue uno de los primeros sitios en los que tocamos fuera de Tenerife. Con Venn Records ahora detrás, ojalá podamos priorizarlo de nuevo, sobre todo cuando desde la isla casi nos es más barato volar a Reino Unido que a la península. Es la excusa perfecta.

Tenéis las distancias muy asumidas. Muchas bandas habrían tirado la toalla ante la primera dificultad y vosotros aquí estáis.
Totalmente, pero creo que el primer paso es no asumirlo como un handicap. Es decir, lo es, siempre lo ha sido a nivel logístico, pero perder el tiempo en quejarse diría que es el primer error. Dicen que hay que sacarle el lado bueno a las cosas y supongo que es lo que hemos aprendido a hacer después de muchos años. La distancia te ayuda a priorizar, a filtrar planes y a luchar para ir a por ellos, a no acomodarte esperando que las cosas simplemente pasen. Estoy seguro de que no hubiéramos conseguido tantas cosas como banda si hubiéramos sido de Madrid o Barcelona.

Hablemos ahora sí del disco, “Summer Failures”. ¿Qué me podéis contar del título?
Hay una idea recurrente en este disco que aparece de una forma o de otra en cada canción. El miedo social al cambio y a la evolución. Creo que el ser humano y su miedo a alejarse de una zona de confort imaginaria es el único culpable de la situación de deshumanización que vivimos actualmente. En muchas situaciones somos críticos con un problema social hasta que un cambio global para solventarlo significa una pérdida de comodidad de la puerta de nuestra casa hacia dentro. En esos casos, entra el miedo y reculamos para que todo siga igual. Elegimos la pastilla azul. La letra de “Summer Failures” habla del fenómeno global de los refugiados y como para mucha gente que antes solo lo veía de lejos, se empezó a convertir en un problema incómodo, en un error de sistema que debía ser corregido.

El disco está muy en la onda del “Wasted Youth” (Deep Elm, 13), hará las delicias de vuestros seguidores de siempre, con riffs gordos y machacones, que entran a la primera.
¡Sí! Creo que es la evolución natural del “Wasted Youth”. Con ese EP nos empezamos a sentir cada vez más cómodos trabajando con sonidos más crudos y pensando mucho más en la contundencia de los riffs. Seguramente “Summer Failures” es el resultado de ese proceso, al que además Scott también empujó bastante en el estudio. Creo que hemos encontrado un punto en el que nos sentimos muy cómodos musicalmente y va a marcar una base a partir de ahora.

Desde dentro, como banda, ¿qué novedades encontráis? Yo veo un disco marca de la casa con detalles curiosos y refrescantes como el estribillo heavy casi glam de “Poverty Year”, con un invitado de lujo, un Danko Jones espléndido que me recuerda a Axl Rose de Guns n’ Roses… ¿Qué me dices?
¡Es Axl total! Además es genial que te des cuenta porque era la intención de Danko. Era un tono bastante en su línea, pero la letra ya la tenía escrita y me daba algo de miedo ponerlo en una situación comprometida por tener que adaptarse a lo que ya había escrito, pero obviamente lo bordó. Es increíble como lo transformó y adaptó con ese tono algo glam y muy Axl. Es muy crack.

¿Y como cantante?
Por mi parte, siento que la voz también ha evolucionado de alguna forma y quizás marca una nueva forma de trabajar, con más agresividad pero con las melodías mejor encajadas y, a la vez, menos obvias.

Liam de Cancer Bats también canta o grita en el disco, pero no me queda claro en qué temas…
Liam aparece bastante en el disco realmente. Quizá donde más destaca su voz es en los pre-estribillos de “Empty Handed”, pero está en todos los coros del disco, junto a Scott y Jaye de Cancer Bats.

¿Contentos con el feedback que estáis recibiendo estos días?
El feedback ha sido increíble. No somos de las bandas que deciden una línea u otra según la respuesta que reciban, pero nos hace ilusión que la gente que nos ha seguido todos estos años sigan sintiéndose representados con lo que hacemos. Para nosotros la evolución del sonido en una banda es básica y seguiremos apostando por ella.

Os han pinchado en programas como el Rock Show de la BBC, presentado por el gran Daniel P. Carter, lo cual debe ser un puntazo.
Lo de Daniel P. Carter y la BBC nos sigue pareciendo bastante surrealista a día de hoy. Creo que empezó a pincharnos con el “Tarantula Mata” y desde entonces tenemos una relación bastante directa con él. Siempre se ha interesado por los movimientos del grupo y viniendo de alguien tan icono de la industria musical de Reino Unido, es todo un halago.

¿Planes de futuro a corto o medio plazo?
¡A corto plazo siempre es mejor! Tocar y tocar es lo que queremos hacer ahora mismo. Hay planes para Reino Unido, volver a Canadá y Estados Unidos e ir cerrando festivales en España. ¡Veamos qué va cuadrando!