“Distance Over Time no es un álbum conceptual, pero sí colectivo”
Entrevistas / Dream Theater

“Distance Over Time no es un álbum conceptual, pero sí colectivo”

Rubén G. Herrera — hace 12 meses
Fotógrafo — Mark Mayanovich

James Labrie y John Petrucci, vocalista y guitarrista, respectivamente, de la veterana banda de Long Island (Nueva York) visitan varios países de Europa con motivo de arrancar la promoción de su decimocuarto álbum de estudio, “Distance Over Time” (InsideOut Music, 2019). Tras una parada rápida en Londres, hacen lo propio en Madrid, en un céntrico hotel para conceder apenas unas pocas entrevistas en exclusiva.

Su visita trascendió más allá de los medios y apenas unos días antes ya se conocía su sorpresivo paso por el late-night de La Resistencia de David Broncano y El Terrat de Producciones en #0 de Movistar. Hasta las susodichas fake news invadieron en cierto punto las redes sociales. Y es que todo lo que esté detrás de Dream Theater es viral de por sí. Incluso hasta alguna canción fake, imitando el estilo de la banda, se han colado esta vez en las redes sociales.

Tras haber tenido el privilegio de haber podido escuchar las canciones (las verdaderas) en primicia, nos recibe John Petrucci con la excelente actitud, la humildad y extrema amabilidad que le caracteriza. A la colección de discos de rock y metal progresivo que los periodistas que me precedían le habían regalado, y tenía sobre la mesa, añado sendas copias de otras bandas nacionales como Dry River o Moonloop, también como excusa del humilde inglés de un servidor.


Mi inglés no es una maravilla así que espero que podamos profundizar al máximo en todo lo que he preparado.
Bueno, yo por mi parte, aprendí algo de español en el colegio, de crío, pero no recuerdo apenas nada (risas). Sólo puedo entenderos algunas cosas sueltas. El español es un idioma realmente difícil.

Faltan más de dos meses, hasta el 22 de febrero, para que Distance Over Time vea la luz, pero las cosas están yendo realmente rápido, ¿no es así?
Oh sí, no hay duda. Es increíble. El calendario está ya muy apretado. Ya empezamos ayer en Londres, hoy España, en breve lanzaremos el single Unthetered Angel y hoy mismo nos vamos corriendo a Berlín y luego París. Está siendo muy rápido todo.

¿Cómo te sientes por volver a España? ¿Qué es lo que más te gusta de este país?
Es genial. Hemos venido aquí innumerables veces, sobre todo por los tours internacionales y pronto empezamos de nuevo. Nos encanta España.

Os podemos recordar de numerosas visitas en Madrid. La primera con Mike Mangini a la batería fue en el pasado Sonisphere en el año 2011.
Oh, qué recuerdos. La gente aquí es sencillamente genial, la audiencia es increíble, cantan muy alto y todo el tiempo.

Habéis elegido u os ha tocado un buen tiempo aquí, ahora en diciembre. Al menos no estamos a temperaturas locas como esos 48 grados que vivimos cuando os pudimos ver en 2007 en Atarfe, Granada, con Riverside y la gira de Systematic Chaos
Oh dios, ese fue un día realmente caluroso… ¡Qué recuerdos!

“El material que hice en solitario lo incluiré en un próximo trabajo, que aún no tiene fecha”

Tu última visita personal fue en primavera de este mismo año en el G3 con Joe Satriani. No es el momento de hablar de esto, pero tu último disco en solitario fue Suspended Animationen 2005. Pero recientemente has dejado ver algunas piezas nuevas como The Happy Song o Glassy-Eyed Zombies y en otras entrevistas ya has comentado que tienes mucho material nuevo. Viendo tu ritmo de trabajo tan intenso, ¿verá la luz este próximo 2019, quizás?
No te preocupes por sacar el tema, esperaba que lo hicieras. Es muy divertido porque todo este material lo estoy disfrutando antes de lanzar el disco en solitario, y el G3 fue una experiencia increíble donde tuve la oportunidad de compartirlo, aquí, en Europa, USA, en más de 18 shows. Ese material lo incluiré en un próximo trabajo, que aún no tiene fecha.

Distance Over Timeen un álbum increíble. Sin ánimo de ser condescendiente, debo felicitarte por ello. Llega después del trabajo más ambicioso que habéis concebido: The Astonishing. Por el trabajo conceptual, la historia detrás del mismo, un altísimo minutaje, producción cuidada con David Campbell, una gira mundial con un show con una live-experience única. Y de pronto, nos sorprendéis con un nuevo disco. Y grabado tan sólo en dieciocho días.
Agradezco muchísimo tu opinión, muchas gracias. Como bien has dicho, The Astonishing fue un proyecto monumental en todos los sentidos. Fueron tres años de trabajo para todo lo que has mencionado. Pero este disco es muy diferente, este no es un disco conceptual. Ha sido escrito grupalmente en el estudio, y todas las canciones tienen su punto individual. Hay mucho de banda tocando conjuntamente, y nada más. Hemos trabajado a la vieja usanza, sin extras, colaboraciones especiales. El resultado es un disco más personalista y directo.

Habéis vuelto a vuestro cuartel secreto y zona de “retiro espiritual” en Monticello, vuestra propiedad en Catskills. Con vistas a la sierra, naturaleza, animales y todo eso… Y trabajando doce horas al día.
Sí, es un paraje con lagos, montañas, osos y todo eso. Está muy cerca también de Woodstock. Dedicamos casi todo el tiempo a trabajar intensamente, pero igualmente, fue muy divertido. Nos levantábamos a la hora que queríamos, algunos más temprano, otros no… algunos íbamos al gimnasio, cocinábamos un buen desayuno… Nos lo tomábamos con calma. Hasta en el estudio teníamos tiempos muertos del tipo… ¿Ey, que vamos a cocinar hoy? Fue un ambiente muy íntimo.

“Cuando estamos en el estudio es como un escenario, pero todo el entorno está preparado para sonar limpio, grave y potente”

Casi un disco a lo Gran Hermano…
Jaja, exacto. Pero cuando llegaba el momento, nos concentrábamos al máximo. Quizá por todo eso, este es nuestro disco más personal.

Este disco posee también el estilo más clásico de la banda, intentando conectar con sus raíces y los discos que os convirtieron en una leyenda.
Salió con la naturalidad, de componer y grabar de esta manera tan despreocupada y pensando en disfrutar la experiencia.

¿Repetiríais este método de trabajo en el futuro?
Me encantaría que así fuera. Se hizo fácil, fue un método muy afable y relajante para la creación.

Aunque Jordan Rudess lo ha comentado en alguna entrevista, los fans encontrarán igualmente sorprendente que este disco no será conceptual.
Así es. Pero nuestros fans ya nos conocen, y creemos que lo disfrutarán por igual. No hay que abusar de los trabajos conceptuales.

Del mismo modo, hay un trabajo impecable y muy variado. Empezando por un comienzo muy agresivo de heavy metal, al estilo de Metallica. Canciones como Unthetered Angel o Paralized cumplen la misma función de arranque que The Enemy Inside en el álbum homónimo, Dream Theater (2013) o On The Back of Angels en Black Clouds and Silver Linings (2009).
Definitivamente, cuando escribes canciones y luego cuando las llevas al directo, debe haber una relación directa. Cuando estamos en el estudio es como un escenario, pero todo el entorno está preparado para sonar limpio, grave y potente. Los riffs más agresivos recobran el protagonismo que merecen y este disco tiene un gran protagonismo de riffs potentes también en otras canciones como Fall Into the Light o The Room 137.

También hay lugar para esa otra cara de Dream Theater, que son las secciones melódicas, los arreglos de cuerdas, teclados, y pasajes más emocionales. At Wit’s End, la primera canción que grabásteis, tiene mucha mano de Jordan Rudess, el brujo de los teclados.
Es importante que haya un balance de estilos en los discos. Eso es lo que nos lleva a tener emociones trascendentes. Hay muchos elementos que ya nos definen, y esos riffs comentados deben dejar paso a estados más profundos, que conectan con otras raíces, como las del rock progresivo, y nos permiten añadir dramatismo a las canciones, que al final, deben contarnos historias y mostrar las diversas caras de la banda. Es por ello que este álbum es tan variado.

Barstool Warrior tiene quizá más que ninguna, esa conexión con el rock progresivo clásico, el sonido británico, y todo eso.
Esa era la idea, lo has pillado

Cuando se conocieron los títulos de las canciones, alguien en Internet bromeaba: “John Petrucci me contó, en las duchas del gimnasio que Barstool Warrior tiene una gran influencia de Manowar…”.
Manowar, wow (risas). Imagínate…

Es curioso porque nada es lo que parece en este álbum. Pero a los fans les bastan los títulos y duraciones de las canciones que anunciasteis hace dos días para tramar todo tipo de conspiraciones. Muchos se escandalizaron por la no existencia de canciones de más de diez minutos.
Normalmente no miro todo ese movimiento de opiniones. De hecho, no sabía que ya habíamos anunciado los títulos. Pero la gente tiene ganas de conocer y eso es bueno.

Fall Into the Light, que acabas de mencionar, podría ser otra de esas canciones escritas por John Myung, al estilo de Trial of Tears (del disco Falling Into Infinity) o Lifting Shadows, la que luego fue elegida por Rick Wilson para titular vuestra biogafía oficial también. John Myung es conocido mundialmente por su humildad, llevada al extremo de la timidez, pero escribe grandes letras, puesto que también escribe S2N, una canción que parte de un sólo de bajo.
Exacto, Fall Into the Light va en esa línea. Y sí, John es un hombre muy particular, que no para de crear y de pronto nos sorprende con material de éste tipo. ¿Y sabes qué? Luego difícilmente le sacas algo de información al respecto del origen de sus letras. Probablemente obtengas una respuesta ambigua y se escabulle (risas). S2N es otra canción con un origen muy personal para Myung. Es curioso porque ese primer arreglo apareció muy pronto, pero luego se quedó ahí, y finalmente, fue la última canción en grabarse. Todos le animamos a que terminase esta gran idea, finalmente convertida en canción.

¿Es una expresión, verdad? “Signal to Noise”.
Es una analogía muy curiosa de nuestro idioma y nuestro mundo del sonido, extrapolable a esa idea de “sociedad del ruido”.

“Es importante que haya un balance de estilos en los discos. Eso es lo que nos lleva a tener emociones trascendentes”

Es muy frecuente encontrar en este disco muchos otros significados latentes Distance Over Time parece una mezcla entre fórmula matemática cruzada con un aspecto lírico de la existencia humana, con esa portada en la que una mano robótica sujeta un cráneo. En las canciones hay más: The Room 137, la primera canción que escribe Mike Mangini en la banda, con la presencia de ese número, el 137, no sé si con carácter científico, o más bien cabalístico.
Por ahí han ido los tiros. Mike se ha apoyado en una literatura muy diversa para escribir esta canción que refleja la incertidumbre y la locura que produce ese número. Un gran físico del siglo 20, Wolfgang Pauli estaba obsesionado con el 137 y murió en un hospital psiquiátrico con ese mismo número. Es una historia escalofriante. Pero es tanto un número de gran importancia científica como, digamos mágica.

Pero también tú mismo, John, nos has traído reflexiones muy profundas a través de la música: Pale Blue Dot es la canción más enreversada, por la que enloquecerán los progheads y fans más acérrimos, con esos compases complejos y amalgamados, y esos interludios instrumentales. “That pale blue dot, the only home we’ve ever known”. Son las palabras tan conocidas del divulgador neoyorkino, Carl Sagan. Parece como si esta canción pretendiese reflejar lo que un viaje a través del espacio sería realmente…
Mi padre siempre fue un gran admirador de Carl Sagan y es algo que me ha transmitido. Y sí, inicialmente teníamos una idea más propia de Hans Zimmer en su trabajo en la película Interestellar, pero el resultado es bien distinto. Esta canción cierra el disco con una gran variedad de arreglos complejos y hasta perturbadores. Ya sabes, en la línea que nos gusta experimentar y que ha sido una tradición en Dream Theater.

Y después de todo esto, relajamos músculos y mente con una pieza tan propia del hard-rock y el heavy metal de los 80 como Viper King.
Realmente, Viper King es un bonus track. El álbum cierra en Pale Blue Dot y Viper King es más una pieza algo fuera de lugar. James Labrie inició la idea y luego la cerramos grupalmente como una canción muy pensada para el directo. A la gente le va a sorprender mucho lo que supone esta canción en el estilo de Dream Theater.

 Este disco lo firmáis con InsideOut Music, el sello europeo más importante de rock progresivo. ¿Por qué este cambio? ¿Fue todo bien con RoadRunner Records?
Todo ha ido bien con RoadRunner. Siempre hemos tenido la tranquilidad y confianza de trabajar con ellos. En este caso, simplemente se nos acabó el contrato y nos surgió la posibilidad de trabajar con Thomas Waber, director de InsideOut, y nos pareció una buena oportunidad. Thomas ha estado detrás de Dream Theater desde hace muchísimos años. Nos conocemos bien, sabíamos cómo trabaja, y el resultado ya lo estamos viendo.

Es genial si eso significa que os tendremos más cerca, sin duda.
Es nuestra idea; acercarnos más a Europa.

“A la gente le va a sorprender mucho lo que supone Viper King en el estilo de Dream Theater”

El tour empezará en San Diego, California, y concluirá en Francia y finalmente, Ciudad de México. 29 shows confirmados de entrada. Y luego… ¿algunos buenos festivales de verano?
Rock Fest en Barcelona ya ha sido confirmado también. Por lo que, sí, ¡estaremos por aquí muy pronto!

El año pasado hicisteis una gira por países donde no habíais estado nunca. Filipinas (Manila), Malasya (Singapur). ¿Cuál es el sitio más extraño o tal vez exótico donde habéis estado?
Hemos visitado casi todas las regiones del mundo. Salvo África. Quizá el sitio más exótico fue Dubai (Emiratos Árabes).

Siento curiosidad por esto… ¿Habrá, ahora o más tarde, un ‘instrumedley’ que resuma el enorme trabajo de The Astonishing? Teniendo en cuenta que el nuevo setlist de directo lo dejará atrás, pero por otro lado, sois propensos a este tipo de arreglos majestuosos.
Esa es una buena pregunta. Queremos pensar que sí. Sin embargo, ahora mismo tenemos la cabeza como sabes en Distance Over Time, y también en la segunda parte de nuestros shows, que será para el XX Aniversario de nuestro disco Metrópolis Part II: Scenes From a Memory. Pero más adelante, no se descartaría algo así.

Y ya para terminar, quiero hablar del contexto musical. En los últimos años (ya casi décadas en realidad) ha florecido una ingente cantidad de bandas de metal progresivo de primerísima línea. Se me ocurren: DGM (Italia), A.C.T. (Suecia), Circus Máximos o Leprous (de Noruega), muchas de estas son ahora vuestros nuevos compañeros de sello. Como ocurre con Haken. Cuando empezaron se les referenciaba mucho con respecto a Dream Theater, pero ahora, con su quinto disco, Vector, están manejando una nueva línea estética cada vez más propia, ¿has podido escuchar este disco recién lanzado?
Aún no, pero lo tengo pendiente en mi reproductor. Y reconozco que no conozco algunas de esas bandas que mencionas. El nivel es cada vez más alto. Una vez más, intentaremos estar a la altura de todo eso.

2 comentarios

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