¿Cuáles son, en tu opinión, las principales diferencias entre “Humdrum” y tu anterior disco, “Songs Of Loss”?
Como todo en esta vida, las grabaciones contienen un elemento de aprendizaje. En “Songs Of Loss” no teníamos una idea muy clara sobre cómo queríamos sonar y adónde queríamos llevar nuestras canciones. En “Humdrum” sin embargo dedicamos mucho tiempo a darle una coherencia sónica y queríamos evitar lo que menos nos gustó del primero.
Creo que ese disco previo, “Songs Of Loss”, viraba en torno a los diferentes tipos de pérdida emocional que podemos sufrir ¿Cómo surgió la idea de hacer un disco conceptual en torno a esa temática?
No fue para nada una idea premeditada. Cuando estaban todos los temas listos para grabar, me di cuenta de que el hilo conductor era la temática de la pérdida, incluso en las versiones que escogimos. Estamos hablando de la pérdida en un sentido más amplio, desde perder la ilusión por la vida hasta perder la fe. Para cada persona la palabra “pérdida” significa una cosa diferente.
Volviendo al nuevo álbum, ¿qué te ha motivado o inspirado para componer estas canciones?
Cuando acabamos el ciclo de promoción para “Songs Of Loss”, enseguida empezamos a trabajar en este disco. Algunas canciones ya existían antes pero no habían tenido cabida en el anterior álbum, como “Speedtrain” o “Play Dead” que están basadas en riffs que he tenido guardados durante muchos años. Otros temas surgieron porque su temática en algún momento me comía la cabeza, como los tsunamis de los que habla “Day Zero”, o el caso de James Arthur Ray, un autoproclamado gurú de autoayuda que realmente estaba muy chalado. La canción “Breakthrough” cuenta su caso.
“Humdrum” es un disco muy diverso, que incluye indie-pop, rock, post-punk, electrónica, new wave e incluso algo de krautrock. ¿Cómo se conjugan todos estos elementos para dar una identidad conjunta al trabajo? ¿Qué tipo de disco querías hacer?
No me planteo nunca qué estilo quiero o no aplicar. Escribo canciones y tengo a dos grandes músicos que me ayudan con los arreglos, Albert Català y Valen Nieto. Los tres hemos escuchado música muy diversa en nuestra vida y no nos cerramos a nada. Tenemos algunas referencias en común, como Nine Inch Nails o David Bowie, y nos encanta la música electrónica. A la hora de grabar, la palabra “no” no existe. Nos gusta experimentar, probar cosas y divertirnos, y supongo que eso le da más variedad al disco.
De hecho, escuchando el disco me han venido a la cabeza varios nombres, desde Editors a James, pasando por Felt o Happy Mondays. ¿Cuáles han sido tus principales referentes a la hora de materializar este trabajo?
Editors son una referencia, sobre todo su último álbum de estudio, “Violence”, que combina muy bien el rock y la electrónica. También los ya mencionados Nine Inch Nails por sus producciones multicapa, LCD Soundsystem en los temas más bailables, y una larga lista de artistas de los ochenta como Psychedelic Furs, Depeche Mode o Echo & The Bunnymen, además de la escena Manchester de los noventa. Con el vocalista de James, Tim Booth, tengo mucho en común, como el peluquero y los bailes patosos.
Además, diría que en “Humdrum” la influencia camaleónica de David Bowie subyace más en el fondo que en la forma ¿Qué opinas?
Mi referente número uno siempre será David Bowie, quizá no tanto en lo que al estilo se refiere, sino por su filosofía artística. Bowie siempre hablaba de no tener miedo al cambio. La música debe ser una aventura, un viaje para su creador, y ser diferente es un valor, no un fallo. Es lo principal que me llevo de Bowie. ¡No a la monocultura!
"Mi referente número uno siempre será David Bowie, quizá no tanto en lo que al estilo se refiere, sino por su filosofía artística. Bowie siempre hablaba de no tener miedo al cambio"
“Humdrum” incluye un total de doce temas y una hora de música, con varias canciones con duración por encima de los seis minutos ¿Dirías que es un disco especialmente ambicioso?
No especialmente. Ha salido así de forma orgánica. En “Humdrum” encontramos ocho canciones propias (una de ellas en dos versiones) y tres covers, porque me gusta hacer versiones. En cuanto a la duración de los temas, mis letras suelen contar una historia a la que hay que ponerle ropa, es así de simple. Si una historia es larga, como en el caso de “Day Zero”, pues la canción también se alarga. No tenemos pasajes instrumentales muy extensos y no buscamos crear una estructura complicada porque si, eso sale porque la letra lo pide.
Precisamente el último tercio del lanzamiento se reserva para las composiciones más extensas, aunando “Breakthrough”, “Day Zero” y “Corporate #2” ¿Por qué tomaste la decisión de colocar estas canciones al final del álbum?
Quería que el disco se pudiera dividir en dos partes, una cara A más inmediata y una cara B más densa y exigente, como también es el caso en dos de mis discos preferidos de todos los tiempos, “Low” de David Bowie y “The Idiot” de Iggy Pop. Ni de lejos quiero compararme con ellos, pero la idea viene de allí.
En cualquier caso, también es un álbum funcional y bastante vertical. ¿Era otra prioridad para ti incluir mayoría de singles potenciales en el álbum?
No pienso en estos términos. Intento hacer la música que a mí me gustaría escuchar. Me autoedito y no tengo ningún AR que me exija ser más comercial ni nada de eso. Aparte, si me propusiera hacer un tema comercial o tipo single, no sabría cómo enfocarlo. No sé qué características tiene que tener un single hoy en día.
Aunque A Permanent Shadow es el proyecto de CP Fletcher, lo cierto es que tiendes a rodearte de colaboradores con los que dar forma a las canciones. ¿Qué otros músicos han participado en este disco y cómo han influido en el sonido del álbum?
En este disco básicamente hemos trabajado como trío, Albert, Valen y yo. En “Songs Of Loss” habíamos tenido varios invitados, y a nivel organizativo fue más estresante. Albert es un gran arreglista y teclista, mientras Valen toca básicamente todos los instrumentos que existen en la faz de la tierra, así que nos pudimos permitir el lujo de trabajar en pequeño comité. Creo que eso ha contribuido a un sonido más coherente y una instrumentación al servicio de la canción.
Lo siento, debes estar conectado para publicar un comentario.