Ty Segall no se prodiga con las entrevistas, lo que ha contribuido a su imagen algo misteriosa. Para la ocasión, el compositor y guitarrista de Los Angeles prefiere hablar por correo electrónico de los aspectos técnicos de la grabación de su nuevo disco, el decimocuarto si contamos directos, una cifra asombrosa si tenemos en cuenta que tiene treinta y cuatro años.
Incluso por escrito, sus respuestas están llenas del entusiasmo contagioso de quien disfruta como un niño pequeño del arte de grabar un disco en cinta, con técnicas de hace cincuenta años. Ty se involucra de lleno en la parte técnica, trabajando codo con codo con sus técnicos e ingenieros y coproduciendo sus álbumes, con resultados de momento siempre demoledores. En este caso, junto a su amigo Cooper Crain (Bitchin Bajas, Cave).
¿Cuánto disfrutas la parte técnica de grabar y qué es lo que buscas? El nuevo disco suena (otra vez) increíble. Parece que tienes las cosas claras en cuanto a tu estética sonora.
¡Gracias! Para mí, grabar un álbum es la parte más divertida de todo el proceso. Me parece que el estudio es el instrumento más importante que tiene un artista para dar forma a sus canciones en lo que quiere que sean… Me encanta todo lo que tiene que ver con grabar un disco.
“El estudio es el instrumento más importante que tiene un artista para dar forma a sus canciones”
Pareces muy interesado en todo lo que se refiere a las técnicas de grabación en el estudio. ¿De dónde viene este interés? ¿Cuándo fuiste consciente de la parte técnica de hacer un disco?
Supongo que este interés se desarrolló simplemente por ser un fan de los discos. Cuando entré por primera vez en un estudio, me di cuenta rápidamente de que tenía una idea muy concreta de cómo quería que sonaran las cosas, así que más me valía averiguar cómo conseguirlo. Desde ese momento, creo que tenía diecisiete años, he querido aprender todo lo que he podido sobre técnicas de grabación.
Antes de hacer “Harmonizer”, ¿querías explorar más sonidos electrónicos o sintéticos o fue algo que se desarrolló según lo grababas?
Era un objetivo desde la fase de composición. De hecho, compuse la mayor parte de las canciones con sintetizadores, así como con algunas guitarras. Tener a Cooper ahí para ayudarme con la parte sintética del disco. Fue crucial. Me enseñó muchísimo durante las sesiones, y tenía allí su equipo modular. Nos divertimos muchísimo, y tengo que darle mucho crédito a Cooper por toda esa parte.
Tu anterior disco “First Taste” no tenía una sola guitarra, aunque tocaste un montón de instrumentos. Leí en algún lado que en este nuevo disco has metido muchas guitarras directamente a la mesa, sin amplificador. En todo caso, en canciones como la propia “Harmonizer” las guitarras suenan muy especiales. Como guitarrista consumado, ¿pones mucho cuidado en la forma de grabarlas?
¡Muchas de las guitarras del disco se grabaron directamente! Pero hay algunos amplis por ahí. Supongo que la idea con las guitarras, en este caso, era grabar cada parte de forma diferente o única. No creo que lo hiciéramos al final de forma literal, pero creo que nos acercamos mucho. La canción “Harmonizer” es, sin duda, una de las que grabamos con las guitarras “directas”.
Parece que muchas de ellas van a través de pedales raros, especialmente de fuzz (saturación, o distorsión). Me pregunto qué pedales usas y qué criterio tienes para meterlos. ¿Es cuestión de personalidad del sonido?
Creo que es cuestión de cuál hará que la canción suene mejor. Tengo pedales que sólo he utilizado en una única canción. Creo que eso es genial.
¿Enfocaste la grabación de una manera distinta a la de tus anteriores trabajos? ¿Cómo te beneficias de la experiencia acumulada?
Me gusta enfocar la grabación de cada disco que hago de forma distinta. Cooper Crain grabó “Harmonizer” y lo coprodujo conmigo, y trabajar con él ha sido una experiencia alucinante y completamente única. Cooper trató de grabar cada canción de forma diferente, lo cual me encantó. Por ejemplo, ahí entraba la idea de asegurarnos de no repetir nunca el mismo sonido de guitarra.
“La grabación analógica es una forma de arte moribunda”
¿Prefieres trabajar en tu propio estudio? Debes tener muchísimo equipo…
De momento, ¡sí! Lo que me encanta de mi estudio es que tengo el mismo magnetófono de cinta que la mayoría de los estudios de la ciudad, así que si quiero grabar baterías en cualquier otro sitio, y terminar el disco en casa, ¡puedo hacerlo!
Para capturar la energía, ¿prefieres grabar cada tema junto a los otros músicos?
Sin duda, depende de cada canción.
Muchas de las canciones tienen un sonido más denso, quizá sea por el uso de los sintetizadores. Asumiendo que usaste muchos más que en otros discos, ¿te gustan los sintetizadores antiguos analógicos?
Me encantan. Pero en realidad me gusta cualquier cosa que suene bien, los nuevos sintetetizadores pueden ser también alucinantes. Usamos muchos más teclados en este disco que en cualquiera de los otros.
Has trabajado con Steve Albini y Greg Norman, dos de los técnicos más brillantes del mundo, responsables del sonido de grandísimos discos. El disco que grabaron en Los Angeles en vivo es de mis directos favoritos de siempre. ¿Qué es lo que admiras de su trabajo?
¡Gracias! Creo que te refieres a “Deforming Lobes”. Me encanta trabajar con Steve y Greg. Tengo mucha suerte de haber pillado algunos de sus trucos a lo largo de los años. Admiro la dedicación que le ponen a su oficio, que es una forma de arte moribunda, en especial la grabación analógica. Les debo muchísimo.
Para terminar: ¿Te parece que es imposible hacer un gran disco si no suena bien?
Creo que la música y la estética sonora de una grabación son subjetivas, así que por definición es una pregunta imposible de responder. Lo que sí diré es que, en mi opinión personal, puedes estropear una canción sobreproduciéndola. Creo que es mucho más difícil arruinarla si la produces poco.
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