De toda esa escena que surgió alrededor del sello francés Kitsuné a principios de los dos mil tan solo aguantaron unos cuantos proyectos como Justice, Two Door Cinema Club o Digitalism, quienes encajaron a la perfección en el roster del sello gracias a una acertada combinación de french-house, electro, unas gotas de rock y una sensibilidad pop. Este dúo procedente de Hamburgo –formado por los productores Ismail Tuefekci y Jens Moelle– lleva en activo desde el 2004 y publicó su primer trabajo en el sello Kitsuné al año siguiente. “Zdarlight” fue su primer éxito y los llevo a actuar en incontables escenarios, aparte de generar una pequeña polémica con el malogrado productor Philippe Zdar por el nombre del tema y a que mucha gente (incluso de su propio país) pensasen que eran franceses.
Quince años después presentan su quinto álbum, “JPEG”, publicado a través de su sello Magnetism, y nos vuelven a sorprender con una fantástica colección de canciones que enganchan desde la primera escucha, en las que prima la calidad y la diversidad, y que sirven de excusa perfecta para volver a repasar toda su discografía para ir a alguno de los conciertos de su próxima gira española con los deberes hechos. El 14 de febrero estarán en la sala But de Madrid, el 15 de febrero en la Razzmatazz de Barcelona, y más tarde pasarán por el Warm Up Estrella de Levante, el Palencia Sonora y el FIB.
"Nuestras pistas son a menudo como bodegones: mirar algo, pero sin un principio o un final de la historia"
Antes de nada, quería daros la enhorabuena por este nuevo trabajo, que para mí ha supuesto toda una sorpresa. Llevaba un tiempo sin escuchar nada nuevo vuestro y este trabajo me ha devuelto las ganas de volver a disfrutar de vuestros discos anteriores. ¿Cómo está siendo recibido por el resto de la prensa y fans en general?
¡Gracias! El nuevo álbum ha sido muy bien recibido por los fans y por la prensa. Prometimos a nuestros fans que lanzaríamos un nuevo disco en 2019, y cumplimos nuestra promesa. Por alguna razón, seguimos sorprendiendo a algunas personas. ¡Esto es incluso mejor! Ahora tenemos nuevos fans y cada vez más personas se unen y aún no han oído hablar de nosotros. Además hemos estado muy ocupados desde el último álbum (“Mirage”, de 2016). Comenzamos nuestro propio sello discográfico, hemos estado de gira casi sin parar y lanzamos mucha música a través de una serie de epés cada pocos meses que nos llevaron hasta 2019.
A principios del año pasado decidimos trabajar en otro álbum, pero de una manera diferente y más al estilo del 2019 en esta ocasión. En lugar de encerrarnos y tomarnos un tiempo libre para escribir y producir un nuevo álbum, comenzamos a hacer piezas musicales y a lanzarlas inmediatamente una vez que terminaban. Un poco al último momento, pero todo está cohesionado por el tema general del disco. Esto cristalizó justo cuando lanzamos las primeras pistas a principios del año pasado como "Capítulo 1". El artwork y el título del álbum estaban listos, y terminamos de completar el tracklist durante los meses de verano. Algunas canciones se hicieron en un día o dos, otras tomaron más tiempo... pero fue un proceso muy natural. “JPEG” resultó ser fiel a su nombre y se formó como una serie de juegos electrónicos coloridos que vemos como instantáneas de situaciones y lugares en todo el mundo. Nos aferramos a una cierta gama de equipos de producción y sintetizadores, que define el sonido del álbum y une todas las pistas juntas, a pesar de que hay diferentes géneros musicales en él.
Es agradable escuchar a las personas compararlo con nuestros trabajos anteriores de una manera positiva, pero lo que realmente nos importa es lo que está sucediendo en este momento, y que a la gente le gusta mucho “JPEG”.
Ya comentasteis en la hoja de promo que el título de disco se refiere a que vosotros pintáis con música. ¿Nos podríais explicar un poco más esto?
En cierto modo, “JPEG” representa la forma en que vemos nuestra música. Las canciones son como pinturas o instantáneas de emociones y experiencias, cosas que hemos visto en la gira o que sucedieron, y estamos tratando de recrear ese sentimiento con música. Es por eso que nuestro sonido es muy visual. Nuestras pistas son a menudo como bodegones: mirar algo, pero sin un principio o un final de la historia. Depende de ti como oyente vincularlo a tu vida personal. Muchas veces comenzamos en el estudio con un recuerdo y luego hacemos una banda sonora. A partir de ahí, la canción comienza su propia vida y evoluciona hacia algo nuevo, tal vez incluso una nueva imagen que tenemos en nuestras cabezas.
Una de las cosas que más me ha sorprendido ha sido la variedad de estilos (dentro de la música de baile) que tocáis, con presencia del french-house, electro, techno e incluso toques de música disco y toques psicodélicos…¿Notáis que habéis madurado como músicos?
¡Eso es probablemente inevitable! Llevamos más de quince años lanzando música, así que con el tiempo viene más experiencia y hay otras cosas que quizás quieras expresar. Nos aburrimos fácilmente, por eso hacemos música tan diversa. Al mismo tiempo, siempre ha habido "el elemento Digitalism" en todo lo que hacemos, como “el sonido Digitalism”. Eso nunca ha cambiado desde que comenzamos, y creemos que esto es importante para su identidad.
Con esta variedad de estilos, ¿Cómo es vuestro proceso a la hora de componer? ¿Vais al estudio con una idea de tema en mente u os dejáis llevar por la inspiración?
Llevamos pensamientos y sentimientos al estudio y luego vemos cómo se transforman en música. Se forman muchas ideas después de tocar un tema en el estudio, pero también recopilamos ideas en el camino que guardamos para más adelante. Trabajamos mucho en bucles, por lo que hay miles de ideas por ahí... Luego vemos cuáles creemos que deben convertirse en canciones completas y qué ideas podrían funcionar juntas. ¡A veces las combinaciones más extrañas e inesperadas dan como resultado las mejores canciones! El último paso es ver si una canción sufre al añadir esa capa extra al cantar alguna letra.
Hablando de la inspiración, ¿Qué tipo de música o que artistas os inspiran a la hora de componer? ¿Y qué tipo de música soléis escuchar en casa?
La inspiración surge a menudo inesperadamente de la nada cuando estamos en el estudio. Por supuesto, absorbemos mucha música de diferentes géneros, pero las grandes influencias para nuestro trabajo siempre han sido la música de los videojuegos de los ochenta y las bandas sonoras en general. Y el concepto musical de la “coda”: ese bucle interminable al final de una canción, el final de una película que sigue y sigue. Escuchamos mucha música diferente en privado: en este momento, por ejemplo, nos gusta coleccionar rarezas como la discoteca underground turca de los setenta, el rollo synth de la era soviética y otros discos post-punk...En realidad está por todas partes.
¿Y cómo es vuestro estudio de grabación? ¿Tenéis mucho hardware o está más basado en lo digital y los plugins?
Nuestro estudio ha estado en un búnker de la Segunda Guerra Mundial durante años, y acabamos de comenzar uno nuevo que se encuentra en un antiguo almacén de té del siglo XIX. Son edificios realmente inspiradores, y el búnker con su crudeza ha condicionado mucho nuestro sonido. No tiene ventanas y está completamente oscuro cuando apagas las luces, así que tienes que inventar cosas, imaginar cosas, crear algo. Hemos estado coleccionando sintetizadores desde que comenzamos, y todavía los usamos cuando tenemos la oportunidad. El corazón de nuestro estudio es un ordenador, por lo que también utilizamos muchos plugins (eso también es bueno para trabajar en ideas mientras estamos en la carretera sin nuestro equipo). Podríamos grabar un sintetizador Korg o Teisco antiguo y luego procesarlo en el ordenador: es la mezcla que nos funciona.
"Nos gusta crear sonidos desde cero, comenzando desde el principio con lo básico... así que cuanto más básico es un equipo, mejor para nosotros"
¿Algún sintetizador o plugin que no podáis dejar de usar?
Seguimos usando mucho nuestros viejos samplers Korg Electribe, siempre están enchufados y listos para funcionar. Hay muchos arpegios en nuestro nuevo álbum, por lo que cualquier tipo de “arp” o secuenciador por pasos es bueno para nosotros. Nos gusta crear sonidos desde cero, comenzando desde el principio con lo básico... así que cuanto más básico es un equipo, mejor para nosotros, eso es realmente importante. Como el Roland SH-101, por ejemplo. Hay un clon de software llamado Strobe de fxpansion, que también es un clásico que lo hace por nosotros.
¿Sois de salir por la noche o ya sois más de película y manta? Y si todavía salís a bailar, ¿cómo veis el estado de la música electrónica en vuestra ciudad?
Actuamos en tantos conciertos al año que para nosotros ya es bastante salir de fiesta, entre gira y gira normalmente aprovechamos para recargar baterías. Pero a veces quieres ir a ver a alguien tocar realmente especial. En nuestra ciudad natal en Hamburgo tenemos un par de clubes con muy buenas programaciones. Ciertos lugares son muy importantes como grandes viveros para nuevos talentos. Como el famoso Golden Pudel Club, por ejemplo. Hemos trabajado mucho con ellos y acabamos de lanzar un remix para su sello (“Ich Und Mein Pudel” de Rocco Schamoni). Hay muchos artistas electrónicos de Hamburgo que tocan en todo el mundo como Solomun, DJ Koze, Adana Twins, Helena Hauff, Tensnake, etcétera… A pesar de que el panorama de club sigue cambiando con los años, la escena artística está muy viva.
Cuando comenzásteis se estaba desarrollando esa nueva escena de una electrónica alrededor del sello Kitsuné. ¿Qué recordáis de esos días?
Fue una época muy loca. La gente hacía muchas cosas juntos: había menos separación entre géneros musicales que la que hay ahora; todo era fluido de alguna manera. El techno se inspiró en la música de guitarras. Las bandas independientes comenzaron a usar sintetizadores y cajas de ritmos techno. Todo estaba al revés. Todos tocaron en el mismo escenario. Era como una gran sopa creativa y una locura completa al mismo tiempo. Y la gente en Alemania pensaba que éramos de Francia, así que nos hablaban francés, lo cual fue divertido.
Hablando de sellos discográficos, últimamente sacáis todo a través de vuestro sello Magnetic. ¿Cómo está yendo esta aventura? ¿Os da más libertad creativa? ¿Y en cuanto a beneficios?
Comenzamos nuestro sello Magnetism en 2017, y ha sido muy emocionante para nosotros. Después de convertirnos en productores, lanzar álbumes y recorrer el mundo con shows en vivo, fue el siguiente paso lógico para nosotros. Significa que podemos lanzar algo cuando queramos y como queramos. Todo es mucho más inmediato, y tú estás aún más en contacto y conectado con todo lo que existe, porque no hay muchas capas que lo separen de tus fans o de las tiendas de discos. Es bueno tener la flexibilidad y la libertad artística... Por supuesto, también es más trabajo para nosotros, pero nos encanta hacerlo. Estamos constantemente aprendiendo cosas nuevas y podemos probar nuevas ideas. Hoy en día hay muchas posibilidades para sellos pequeños e independientes... ¡Es una aventura!
Últimamente se está hablando mucho del cambio climático ante todo lo que está ocurriendo a lo largo del planeta y están surgiendo iniciativas por parte de unos cuantos músicos para intentar rebajar la huella del carbono que se emite en todas esas giras. ¿Cuál es vuestra opinión sobre este tema? ¿Habéis pensado en hacer algo para evitar esto?
Es muy importante tenerlo en cuenta y es bueno que la gente finalmente esté discutiendo este asunto y tratando de hacer su parte. Estamos tratando de enrutar nuestros recorridos de manera que podamos viajar a las ciudades por carretera, y estamos trabajando constantemente para reducir el peso de nuestra huella de carbono.
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